Guitarra Furiosa Blog

Humor: fazendo palhetas em casa...

2012-01-24T17:20:00.001-08:00

Santana mostra um dos seus sucessos no Fantástico

2011-11-30T00:14:00.001-08:00

Domingo, 28/06/1981
Um dos maiores guitarristas do mundo, Carlos Santana, toca um dos seus sucessos chamado "Over and Over".

Duelo de guitarras: de verdade e de brinquedo

2011-11-30T00:13:00.001-08:00

Agora a moda entre as crianças é tocar guitarra de brinquedo. Um videogame reproduz os sons. O Fantástico propôs um desafio às crianças: duelarem com guitarristas famosos. Confira o resultado.

Depois de uma década, Eric Clapton celebra retorno ao Brasil

2011-11-30T00:12:00.001-08:00

Depois de dez anos, Eric Clapton voltou a se apresentar no Brasil com shows em Porto alegre, São Paulo e Rio de Janeiro. Considerado um dos melhores guitarristas do mundo, Clapton relembrou histórias, falou sobre música, carreira e sua vida atual.

Jimi Hendrix é primeiro na lista dos maiores guitarristas de todos os tempos

2011-11-30T00:11:00.001-08:00

Músicos e críticos elegeram para a revista americana Rolling Stone os dez maiores guitarristas de todos os tempos. Apesar de Eric Clapton ter sido considerado um deus, ele ficou em segundo lugar. Mas o primeiro não poderia ser outro senão Hendrix.

Ana Moura conta como foi tocar com os Rolling Stones

2011-11-29T22:28:00.001-08:00

A cantora portuguesa Ana Moura é considerada uma revelação do fado e se apresenta pela primeira vez no Brasil no festival Back2Black. Ela contou que a avó, as tias e seus pais eram cantores e que ela era acostumada a cantar em casa desde menina.Com influências do fado, de música brasileira e também africana, Ana começou a carreira cantando rock e pop até ser descoberta em uma tradicional casa de fados lisboeta.Durante a entrevista, Ana deu palinhas do fado “Loucura”, da música angolana “Birin Birin” e de “Brown Sugar”, dos Rolling Stones. A cantora ainda contou que conheceu os Stones e que, além de participar de um disco deles, cantou com a banda durante show deles em Portugal.Ana falou também que gosta muito de pimenta, conhecida como picante ou pica em Portugal.

Rosana Lanzelotte fala sobre o uso do cravo

2011-11-25T22:53:00.001-08:00

A cravista Rosana Lanzelotte começou a entrevista falando sobre seu sobrenome e a semelhança com o lendário cavaleiro Lancelot. Ela falou que vem de uma família de músicos e que começou os estudos de piano aos cinco anos de idade.A entrevista aconteceu no palco lateral, com ela sentada em frente ao cravo e Jô ao lado. Além de mostrar o instrumento, Rosana falou sobre sua origem e os motivos que levaram o cravo a cair em desuso.Ela ainda abriu o programa com uma música de Bach e, durante a entrevista, deu palinhas da “Sonata 141”, de Domenico Scarlatti, de “Odeon”, de Ernesto Nazareth, e o “Lundu”, de compositor anônimo brasileiro do século XIX.

Elodie Bouny comenta diferenças entre o violonista clássico e popular

2011-11-25T22:50:00.001-08:00

A violonista francesa Elodie Bouny é casada há cinco anos com o também violonista Yamandu Costa. Eles se conheceram na França, e uma semana depois ela estava no Brasil. Hoje, eles têm um filho, Benício, que ainda está amamentando.Elodie falou sobre as diferenças entre o violonista clássico, formado num conservatório, como ela, e um violonista popular como Yamandu. Ela contou que, apesar do violonista precisar cuidar muito das unhas, é ela quem lava a louça em casa.Durante o programa, Elodie deu palinhas de suas composições: “El Marabino” e “Presqu’une Chanson”. Jô Soares ainda mostrou um VT de Yamandu falando sobre suas aptidões com a língua francesa numa entrevista recente no programa.

Soluções para banda...

2011-10-06T18:20:00.001-07:00

Novo Telecurso – Música EM – Aula 01

2011-05-06T08:41:00.000-07:00

Na primeira teleaula de Música, você aprenderá o que são fontes sonoras - que podem ser naturais, humanas ou artificiais - e vai conhecer os elementos básicos da música: ritmo, melodia e harmonia.

Nelson Motta fala da importância de Bob Marley para o raggae

2011-04-15T23:18:00.000-07:00

Sexta-feira, 15/04/2011
Ele tornou popular no mundo inteiro o reggae, antes mesmo de morrer, há 30 anos. Um dos maiores sucessos do cantor ganhou uma versão de Gilberto Gil.

Slash responde perguntas de guitarristas brasileiros

2011-04-15T23:16:00.000-07:00

Sábado, 09/04/2011
Guitarrista fala sobre novo álbum, influências e muito mais

Pra ver tocar: Piano Bar, Engenheiros do Hawaii

2010-12-24T19:17:00.001-08:00

Pra ver tocar: Medley Engenheiros do Hawaii

2010-12-24T18:22:00.003-08:00

Pra ver tocar: Juliette Valduriez

2010-10-24T20:46:00.000-07:00

Ela é linda e toca muito!

Video-aula: Lulu Santos ensina a tocar "Apenas mais uma de amor"

2010-06-21T12:04:00.001-07:00

Humor

2010-02-10T19:48:00.001-08:00

Novo visual!

2010-02-07T23:23:00.001-08:00

Estou trabalhando num novo visual para este blog. O que acharam? Comentem neste post.

Um abraço

Sublime, "Santeria" - solo

2010-02-07T19:30:00.000-08:00

Daê pessoal,

Um grande amigo estava procurando pelo solo de "Santeria", do Sublime, e achou esse video. Aparentemente o cara está tocando certinho:

Um abraço

Pra ver tocar...

2010-01-24T20:32:00.001-08:00

Lição de natal - Feliz Natal à todos!!!

2009-12-24T12:45:00.001-08:00

Meus amigos visitantes

2009-12-18T16:50:00.000-08:00

Olá meus amigos,

Recebi esta semana um comentário num post de backing track anunciando que o link do mesmo estaria quebrado. Achei bacana isso, porque de fato upei esses arquivos a muito tempo e nunca mais fui ver se estavam lá. Posso re-upá-los sem problemas, mas preciso da indicação de vocês.

Como vocês sabem, sou dono de outros blogs, o mais "importante" no momento sendo o Prestando Prova. No começo deste ano investi bastante tempo neste blog, já que tinha bastante material e sou entusiasta do mundo da música, mas a carreira jurídica este ano me tomou bastante tempo. Tanto tempo que me fez perder até a namorada, e tudo isso para terminar o Mestrado e passar no Exame da OAB. Tive êxito nas duas tarefas, e sempre colocava as notícias no outro blog.

Eu não abandonei este blog, vou retomar as postagens assim que começar o ano que vem. No momento, quero agradecer as visitas que tive. Mesmo sem atualizações, o conteúdo que eu coloquei aqui já é bom o bastante para render algumas horas de estudo. Aproveite.

Quero também desejar um Feliz Natal e um ano novo de realizações.

Um abraço
Fábio Schlickmann

Superação!

2009-11-21T15:24:00.000-08:00

Pra ver tocar...

2009-07-24T19:21:00.001-07:00

Coluna: Técnica

2009-06-18T19:49:00.000-07:00

Clique na imagem para ampliar

2009-06-14T18:28:00.000-07:00

Video aula com Samuel Rosa

2009-06-11T14:49:00.000-07:00

2009-05-26T07:48:00.001-07:00

2009-05-26T07:40:00.003-07:00

2009-05-26T07:40:00.001-07:00

Pra ver tocar...

2009-05-26T07:33:00.001-07:00

Pra ver tocar...

2009-05-26T07:22:00.001-07:00

Pra ver tocar...

2009-05-20T14:54:00.001-07:00

Pra ver tocar...

2009-05-20T14:53:00.001-07:00

Pra ver tocar...

2009-05-05T07:09:00.000-07:00

Aula de guitarra - professor Tyr

2009-04-29T20:52:00.001-07:00

Aula de guitarra - professor Tyr

2009-04-29T20:52:00.000-07:00

Video Aula de Violão Popular - Aula 02 - Stairway to Heaven - Intermediário

2009-04-16T06:19:00.001-07:00

Video Aula de Violão Popular - Aula 01 - Intermediário - Bossa Nova

2009-04-16T06:18:00.000-07:00

Pink Floyd - Time Guitar Solo Lesson (Slow Version)

2009-04-14T19:33:00.001-07:00

Guitar Solo Lesson : Pink Floyd " Comfortably Numb "

2009-04-14T19:31:00.001-07:00

2009-04-14T19:30:00.000-07:00

Pra ver tocar...

2009-04-11T07:40:00.003-07:00

Pra ver tocar...

2009-04-11T07:40:00.001-07:00

Vídeo aula André Valadão

2009-04-07T10:45:00.000-07:00

8 solos do Pink Floyd

2009-04-06T20:03:00.001-07:00

Parte 1:

Parte 2:

Chord Melody Adaptado com violão Clássico

2009-04-01T10:23:00.000-07:00

Estudo de violão (dedilhado)

2009-04-01T09:33:00.000-07:00

Dicas para fazer fundos musicais em pregações

2009-04-01T09:32:00.000-07:00

Play like Jimi!!

2009-04-01T09:30:00.000-07:00

Pra ver tocar...

2009-03-31T13:10:00.001-07:00

Pra ver tocar...

2009-03-31T13:07:00.002-07:00

Pra ver tocar...

2009-03-31T13:07:00.001-07:00

Links para Licks!

2009-03-31T12:58:00.000-07:00

Whiplash

Meu favorito. O mais completo site para a rapaziada do rock an roll e heavy metal do Brasil; bandas,novidades, agenda de shows, entrevistas, resenhas de CDs, DVDs e shows, opiniões, curiosidades ...

http://whiplash.net/

Guitartricks

Sites com uma variedade enorme de videolessons e materiais de referência no estudo da guitarra, em vários gêneros e técnicas … Cadastre-se para ter acesso

http://www.guitartricks.com/main.php

Guitarplayer

A melhor revista especializada para guitarristas da galáxia…

http://guitarplayer.uol.com.br/

JazzPage

Para os amantes do jazz… Muitos sons (midis de qualidade, mp3), vídeos, arte, informação, divertimento e mais!

http://www.thejazzpage.de/index1.html

Guitarcoast

Guitar Coast é um site e um blog sobre guitarra com informações sobre guitarristas, técnicas de guitarra, fotos, vídeos, curiosidades, dicas, …

http://www.guitarcoast.com /

Cafemusic

Ótimo site de links para bandas, por enquanto são, mais ou menos, 70. Bem atualizado e simples …

http://www.cafemusic.com.br/

Guitarlicks

Site com 320 licks para guitarra… Licks irados, para todos os gêneros, técnicas, escalas, improvização..

http://www.myguitarsolo.com/Licks/Licks.htm

Fenderplayersclub

Guitar lessons Styles Rock, Blues,jazz, country…

http://www.fenderplayersclub.com

Guia de Guitarra

Guia de Guitarra elaborado por Edilson Hourneaux. Os melhores sites sobre guitarra, guitarristas, equipamentos, dicas e informações.Um Guia SobreSites.

http://www.sobresites.com/guitarra/

Guitar Mind

Guitar Idol Brasileiros dão show em performaces neste site Leia mais…

http://www.guitarmind.com.br

Sites no Brasil.com

Sites de violão e guitarra no Brasil

http://www.sitesnobrasil.com

Ejazz

O site do jazz e da música instrumental brasileira

http://www.ejazz.com.br

Marcello melo Links

Sites voltados principalmente para lições e materiais de referência no estudo do violão e da guitarra, em vários gêneros e técnicas. …

http://www.marcelomelloweb.t5.com.br

Acordes-Letras-Teoria

Inclui Lições para guitarristas auto didatas, mas com experiência. WholeNote - The Online Guitar Community. Site colaborativo com muitas lições publicadas.

http://www.musica-e-acordes.com/

Som Brasil

O site da música Brasileira

http://sombrasil.ig.com.br/

Sovaco de cobra

Obras raras para download

http://sovacodecobra.ig.com.br

Free guitar lessons

http://www.dolphinstreet.com/

100 Greatest Rock Guitar riffs

http://www.digitaldreamdoor.com/pages/best_guitarriff.html

Tablaturas para Guitarpro

http://www.mysongbook.com/

Blues/Jazz/Revista online

http://www.bluesnjazz.com.br/guitarra_blues.htm

Video Aula: Michel Ribeiro

2009-03-30T13:19:00.000-07:00

Textos de Teoria Musical

2009-03-28T05:35:00.000-07:00

ARTIGO 12

TOM, CAMPO HARMÔNICO E PROGRESSÕES

Muitos anos atrás, cismei em aprender teclado popular – para quem nunca tocou e conhece violão/guitarra, funciona + ou – assim: a Mão Esquerda faz o trabalho de “base”, enquanto a Mão Direita leva a “voz” ou “lead”. Com alguma prática auditiva musical, logo eu estava facilmente “solando” com a Mão Direita, mas a falta de conhecimento teórico (que era o meu problema na época) me impedia de saber quais os acordes do acompanhamento. Quando eu perguntei ao meu professor: “Como colocar os acordes sobre a melodia?” ele me disse que eu viesse à todas as aulas, e, TALVEZ, na última aula do 4.º ano ele me ensinaria este “pulo do gato”! É claro que eu nunca mais apareci....
Ele sabia que se eu conseguisse transcrever a “voz” para a Mão Direita e soubesse encaixar os acordes, eu não voltaria mais às aulas – que fique bem claro: por se tratar de um curso do tipo “Popular” – o professor não busca aprimorar a teoria musical, e sim, fazer com que o aluno toque música, da maneira mais simples possível, no menor tempo decorrido. É o intento das cifras – elas são simples e eficientes, por isso invadiram o mundo musical universalmente com tanta força. Você acaba aprimorando técnicas – arpejos, dedilhados, pestanas, agilidade nas mãos, etc.... mas o conhecimento teórico fica completamente estagnado!!!
E você – se você quizer “tirar” (transcrever) uma música que ouviu, seja por cifras, seja por TAB?
Vamos ver e rever neste artigo vários conceitos, que serão complementados e acrescidos nos próximos. Este talvez tenha sido o mais complicado para mim escrever, por se tratar de um assunto muito pedido, e infelizmente, muito pouco abordado através da WEB – tentei ser o mais claro possível, mas o próprio contexto é complexo. Meu e-mail está aberto às dúvidas, que responderei na medida do possível, OK?
Recebo infinitos e-mail perguntando como tirar músicas, como achar o Tom delas, o que é o Tom e como reconhecer o Tom tocando ou lendo partituras/cifras/TAB.
Quando falamos em TOM, temos que entender o seguinte: existe uma nota, a TÔNICA, que “rege” tudo o que fazemos durante aquela música. Os solos, o clima, os acordes, tudo gira em torno do TOM dado por esta nota tônica. Por isso é tão importante saber qual o Tom – daí podemos começar com mais facilidade o trabalho de compor ou tirar uma música.
Voltemos um pouco na História: quando os mestres da música sentaram-se num boteco para tomar umas e formular padrões a serem seguidos, tiveram que definir certas regras, ou tudo viraria uma bagunça. A música “escrita” era como uma ciência: para que fosse difundida através de um pedaço de papel (afinal, não existiam na época aparelhos que gravassem e reproduzissem a música, logo, para ouví-la, você teria de tocá-la através de um pedaço de papel...). Daí nasceu a Teoria Musical.
Obviamente, não estaremos utilizando sempre C (dó maior) em todas as músicas; logo, teremos que enfrentar alguns acidentes (sustenidos – # e bemóis – b)  lembram-se que somente a escala de C (dó maior) é isenta de acidentes?
Portanto, quando estamos escrevendo música em um pentagrama (ou pauta), temos que seguir uma regra pré-estabelecida pelos nossos amigos do boteco lá de cima, que definiram uma ordem para que estes sinais fossem inseridos: eles ficam ao lado da clave (que é o símbolo que define uma nota chave na pauta – sol, fá, dó...), numa seqüência estratégica. A regra é a seguinte:
Os sustenidos são : F – C – G – D – A – E – B (os gringos decoram assim: Fat Charlie Gets Drunk After Every Beer – “Charlie gordo fica bêbado depois de qualquer cerveja”...)
Os bemóis são: B – E – A – D – G – C – F (exatamente o contrário da sequência de sustenidos)
Decorando isto, você pode montar uma tabela que define o número de acidentes representados em cada escala. Comece pelo C, que é 0 (zero) nos dois casos, já que não tem acidentes. Olhe como fica:

sustenidos:
0 - 1 - 2 - 3 – 4 - 5 - 6 -- 7
C - G - D - A - E - B - F# - C#

bemóis:
0 - 1 - 2 --- 3 - 4 -- 5 -- 6 -- 7
C - F - Bb - Eb - Ab - Db - Gb - Cb

Analisando isto, teremos, por exemplo, usando a escala de A, 3 sustenidos. (confira na tabela de sustenidos). Não acredita? Verifiquemos na escala:

A – B – C# – D – E – F# – G# – A

Viu? Estão os 3 aí: C#, F# e G#. (Se você não entendeu como formamos a escala, relembre o artigo!)
Vamos tentar a de E? São 4 sustenidos:

E – F# – G# – A – B – C# – D# – E

Estão todos presentes! São: F#, G#, C#, D#. Sei que tem gente perguntando como é que eu sabia onde colocar as escalas de F# e C# e onde colocar as escalas naturais de F e C. Aliás, deve ter gente perguntando porque algumas escalas são naturais, outras sustenidas e outras bemóis. Vou explicar tudo com um exemplo.
Vejamos a escala de fá maior (F):

F – G – A – A# – C – D – E – F

Notaram que teríamos dois lá: A e A#? No pentagrama só existe uma linha (ou espaço) para o A. Então foi estipulado que a escala de F seria representada por bemóis (b) ao lado da clave. Então a escala de F ficou assim:

F – G – A – Bb – C – D – E – F

Confira na regra lá em cima: F = 1 bemol (que é o Bb). Quem ficou representada pelos sustenidos foi a escala de F#:

F# – G# – A# – B – C# – D# – F – F#

Êpa!!! Mas também ficou com 2 Fá: F e F#!!!! E agora? Agora vem a “manha”: o F é representado no pentagrama pelo E#! A escala ficaria assim:

F# – G# – A# – B – C# – D# – E# – F#

Vamos conferir: escala de F# = 6 sustenidos!!! (os caras eram bons, hein?) O mesmo ocorre com a de C#:

C# – D# – F – F# – G# – A# – B# – C#

(E#) e (B#): Embora não se escreva E# e B#, como notação em pentagrama é utilizado, justamente para evitar um monte de sinais no meio da pauta e para facilitar o músico na identificação da escala escolhida para compor a peça.
Na prática, é só contar os símbolos na pauta para saber qual a escala utilizada. Exemplos: pentagrama com 3 # ao lado da clave: escala de A pentagrama com 2 b ao lado da clave: escala de Bb.
Mesmo sendo muito simples, é determinada a ESCALA utilizada, e não TOM. Para determinar o Tom, teríamos que analisar as notas da maneira como são utilizadas, com que acordes, se menor ou maior, além de outros conceitos que analisaremos no futuro (como MODOS, por exemplo).
Se você está me xingando neste momento, já que tudo o que vimos em nossos artigos NUNCA foi baseado em pentagramas, acalme-se... Gosto do estilo Mister “M”: mostrar de onde vieram as coisas... Além disso, alguns artigos atrás eu fiz uma piadinha acerca de sustenidos e bemóis, dizendo que a invenção de 2 nomes para a mesma coisa era pura sacanagem – mas tudo tem uma explicação bem lógica: seria impossível representar músicas em pentagramas sem a utilização dos 2, OK?
Esquecendo as pautas, com TAB's e cifras a coisa muda um pouco. Vamos lembrar que sabendo qual o Tom será infinitamente mais fácil determinar os acordes, além da tônica dos solos e improvisos.
Sabendo que os acordes derivam das escalas (já vimos isto antes), é fácil perceber que as notas da escala utilizada DEVEM estar contidos nos acordes. Logo, qualquer acorde formado pelas notas da escala soará incrivelmente agradável quando esta for utilizada.
Normalmente os acordes são formados através da harmonização em terças diatônicas. Vamos relembrar este tipo de harmonização (que fizemos em Dominando Acordes). A escala de C (dó maior) é C – D – E – F – G – A – B.
Começando por C, conte 2 notas para a direita. teremos E. Mais 2 para a direita. Teremos G. Reconhecem a nossa tríade (acorde de 3 notas)? É o C – E – G, ou dó maior (C). Não é por mera coincidência que ele é perfeitamente compatível com a escala de C...
Se fizermos isto com todas as notas da escala, teremos 7 tríades:

C – E – G = C (dó maior)
D – F – A = Dm (ré menor)
E – G – B = Em (mi menor)
F – A – C = F (fá maior)
G – B – D = G (sol maior)
A – C – E = Am (lá menor)
B – D – F = Bº (si diminuto)

Esta seria a “família” de acordes de 3 notas (ou tríades) compatíveis com a escala de C, ou seja, estes acordes pertencem a um “CAMPO HARMÔNICO” no TOM de C (dó maior). Quando utilizada uma escala de C, ou composta uma melodia neste TOM, utilizando combinações destes acordes pertencentes ao Campo Harmônico, o resultado será com certeza agradável aos ouvidos.
Pode-se ainda harmonizar desta mesma forma, utilizando as mesmas notas da escala, acordes com 4 notas, gerando acordes mais ricos e sofisticados; indo mais longe, podemos chegar aos acordes de 5 e 6 notas, que embora não tão usuais, são de grande valia para composições ecléticas e originais.
Abaixo temos uma tabela com as 3 famílias de acordes (3, 4, 5 notas) derivadas da escala de C maior, determinando um vasto campo harmônico (do lado direito, as notas que formam cada acorde).
Gostaram? Só com estas 3 “famílias” já temos 21 acordes que se encaixam perfeitamente no Tom da escala original, que é C (dó maior).
Antes de prosseguir, vamos recapitular tudo:
1.) O TOM representa a ESCALA utilizada na composição;
2.) Os ACORDES derivam da ESCALA escolhida;
3.) Os ACORDES são formados pela HARMONIZAÇÃO da ESCALA (no nosso exemplo, em TERÇAS DIATÔNICAS);
4.) Os ACORDES RESULTANTES formam o CAMPO HARMÔNICO do TOM escolhido.
Tudo entendido, vamos prosseguir. Tá bom, mas o que vamos fazer com este monte de acordes? Teremos que compreender um novo conceito: PROGRESSÃO HARMÔNICA. Progressão Harmônica é uma sequência de acordes harmonizados, ou seja, um trecho de qualquer música é uma progressão harmônica.
A música “Ainda é Cedo”, do Legião Urbana, regravada por Marina Lima, é baseada inteirinha em uma só progressão de 3 acordes: Am – Dm – C. Toque esta progressão e você notará que os acordes Dm – C criam uma “tensão” que é “relaxada” quando chegamos ao acorde de Am. Este “clima” é a arma que os músicos tem para quebrar a monotonia da música – as progressões tem características próprias, dependendo de como o compositor as utiliza. Vamos analisar os acordes do nosso campo harmônico de C (dó maior) e construir algumas progressões (você certamente reconhecerá algumas – de músicas muito familiares...)

[1] C – F – G7 – C
[2] C – F – C – G7 – F – C
[3] C – Am – F – G7 – C
[4] C – Am – Em – Am – Dm – G – C
[5] Dm – G7 – Cmaj7 – Fmaj7 – Bm7b5 – G7 – C

Tente tocar as progressões acima – tudo se encaixa perfeitamente? Não é sorte ou coincidência... Levando em consideração que uma música ou trecho musical normalmente começa ou termina no tom dominante, se você for compor é só escolher o tom e sair encaixando os acordes, tirados de dentro do Campo Harmônico, e formar uma Progressão Harmônica. Para “tirar” uma música, verifique a nota inicial/final da maior parte dos trechos (primeiros versos, versos finais ou refrão) e na maioria das vezes (99%) todos os acordes pertencerão àquele campo harmônico – geralmente usando as mesmas progressões que estudamos.
É claro que para isto você deverá analisar o Campo Harmônico no tom da música, ou seja, em todas as escalas – e para isto, você deverá montar os Campos Harmônicos para todas elas. Comece montando para as 7 maiores – lembre-se que você poderá usar os acordes para o Tom Menor relativo (lembram-se que a relativa de C é Am? Se as notas das 2 escalas são as mesmas, os acordes serão os mesmos para os dois campos Harmônicos – só muda a ordem dos acordes nas progressões!)
Voltemos às progressões – analisando as 5 acima, notaremos:
[1] e [2] usam somente 3 acordes: C – F – G7. De fato, é incrível como existem tantas músicas, tradicionais e contemporâneas, que utilizam este tipo de progressão (seja em C ou em qualquer outro tom). Esta progressão é chamada I – IV – V, porque usa estes graus da escala.
[3] e [4] tem um “sabor” mais “down” por usarem acordes menores – Am, Dm e Em. Estas duas progressões aparecem frequentemente em várias músicas, e principalmente a [3] é muito utilizada no rock desde os anos 60 até os dias atuais. É conhecida como “turnaround” (ou retorno) porque soa como uma tensão indo e vindo.
A [5] é a mais rica harmonicamente, criando um som interessante pelo uso de acordes com 4 notas. O som sofisticado obtido é uma das vantagens destas progressões, muito utilizada em jazz. Note que embora a frase não comece pela tônica (C), ela aparece para “fechar” a progressão em seu final.
Outro exemplo de progressão simples muitíssimo usada é a I – III – V (note que são os acordes correspondentes às notas formadoras da tríade maior de C = C – E – G). Milhares de músicas utilizam esta progressão (e suas correspondentes em outros tons).
As progressões dentro de um Campo Harmônico são a base para transcrever/compor músicas, devido às suas propriedades derivadas das seqüências de acordes. Devemos ter em mente, entretanto, que a música é uma arte, e não existem regras fixas para fazer arte – existem padrões teóricos, que podem, e devem ser quebrados. Assim como tocar notas fora de uma escala numa melodia, é permitido utilizar acordes fora do campo harmônico numa composição, desde que seus ouvidos julguem a progressão agradável.
Vários músicos inovadores e excelentes freqüentemente fogem dos padrões da teoria musical, e acrescentam muito a este contexto, com resultados incrivelmente satisfatórios. Se você quiser partir para um novo campo, tudo bem, mas primeiro saiba onde está pisando, e só depois escolha caminhos alternativos.
Vamos aumentar nossos conhecimentos?
Vimos o campo harmônico e as progressões para o acorde de C (dó maior), que pode ser aplicado a todas as escalas maiores e suas menores relativas (no caso de C, Am). Outros campos harmônicos podem ser obtidos da mesma forma sobre outras escalas. Veremos abaixo as Escalas menores de C: Cm, Cm Melódico e Cm Harmônico.
Lembra-se como construir uma escala Menor? Tom – semitom – tom – tom – semitom – tom – tom.
No nosso caso, Cm, seria: C – D – Eb – F – G – Ab – Bb – C
Vejamos o Campo Harmônico:

Algumas progressões muito interessantes podem ser construídas:

[1] Cm – Fm – Bb7 – Cm
[2] Cm – Cm7 – Ab – Gm7 – Cm
[3] Cm – Fm – Gm7 – Cm
[4] Cm – Fm7 – Dm7b5 – Ab – Gm7 – Gm
[5] Cm – Eb – Cm – Gm7 – Fm7 – Dm7b5 – Gm7 – Cm

As Escalas Menores Melódicas são idênticas às Maiores, trocando-se somente o III grau (no caso de C, seria E) pelo IIIb (Eb). Ficaria assim: C – D – Eb – F – G – A – B – C.
Veja o Campo Harmônico pronto: (harmonizado em 3.ªs Diatônicas)

Esta escala tem progressões menos comuns (na verdade, ela é mais utilizada para solos). Mas podemos formar algumas:

[1] Cm – F – G – Cm
[2] Cm – Cm(maj7) – Dm7 – G7 – Cm

As Escalas Menores Harmônicas são idênticas às Menores Melódicas, trocando-se somente o VI grau (no caso de C, seria A) pelo VIb (Ab). Ficaria assim: C – D – Eb – F – G – Ab – B – C.
Veja o Campo Harmônico pronto: (harmonizado em 3.ªs Diatônicas)

Podemos montar várias progressões sobre o Campo Harmônico de Cm Harmônico – e elas são muito úteis (e muito conhecidas!):

[1] Cm – Fm – G – Cm
[2] Cm – G – Fm – G – Fm – G – Cm
[3] Cm – Fm7 – Bdim – Cm – G – Fm – Cm
[4] Cm – Ab – G7 – Cm – Dm7b5 – G7b9 – Cm

Acredito que deu pra ter uma idéia bem estruturada dos conceitos – mas lembre-se: tudo o que vimos é como um mapa rodoviário – que leva você de cidade em cidade; para andar DENTRO das cidades, que seriam as músicas, você vai ter que usar outros artifícios: seu ouvido, muita prática e a capacidade humana de inovar!

12.1) Guia de construção do Campo Harmônico passo-a-passo

Para você que é iniciante, ou achou a coisa muito complicada, ou é preguiçoso mesmo (!?!?), aí vai um guia bem explicadinho desde a escolha da escala até nomear os acordes encontrados. Se depois disso você não entender, volte ao artigo 1.) e comece tudo de novo!!!!!!!
Este procedimento deverá ser feito para as 12 ESCALAS (é isso mesmo – mão na massa!) A, Bb, B, C, C#, D, Eb, E, F, F#, G, G#.

1.º passo) Copie e imprima (de preferência aumente um pouco a fonte) esta tabelinha de campo harmônico abaixo:

2.º passo) escolha o TOM do campo harmônico e preencha o título: vou escolher a de C (dó maior) para poder explicar como montei a do artigo (assim você poderá acompanhar meu raciocínio olhando na tabela já pronta);

3.º passo) construa a ESCALA correspondente ao TOM: (estaremos trabalhando primeiro com as 12 acima – todas são MAIORES – caso tenha dúvidas em construção de escalas, volte ao artigo e dê uma lida!); a escala MAIOR é formada a partir da Tônica desta forma: tom – tom – semitom – tom – tom – tom – semitom: C – D – E – F – G – A – B – C.

4.º passo) escreva na tabela (coluna de notas), de cima para baixo, as notas da escala;

5.º passo) Vamos começar a harmonizar as notas em acordes de 3, 4 e 5 notas (você Pode ir até 6, se quiser): para achar o primeiro acorde da linha do C, começamos pela tônica (C) contamos 2 à direita (E) e mais 2 à direita (G). Encontramos C – E – G. Vamos até as colunas mais à direita de nossa Tabela, e anotamos o acorde de 3 notas harmonizado a partir de C. Não se preocupe com o nome dele ainda. Para harmonizar o de 4 notas, é o mesmo procedimento, só que adicionamos mais um “pulo”: C – E – G e mais 2 à direita (B). Teremos então o acorde formado por C – E – G – B. E com mais um pulo (D), teremos o de 5 notas: C – E – G – B – D. Fácil, não? Faça isto com cada uma das notas, e vá anotando na Tabela.

6.º passo) identificação e nomeação dos acordes. Talvez essa seja a parte mais chata da coisa toda... Existem tantas técnicas e tantas maneiras (certas e erradas) encontradas em revistas, TABS, na WEB, que às vezes você acaba decorando 3 ou mais nomes para o mesmo acorde...
Vou tentar ser bem claro (e não se assuste com os nomes encontrados; mesmo que você conheça o acorde por outro nome, esta nomenclatura é bem fácil de entender, e não deixa dúvidas sobre quais as notas utilizadas).
Para “batizar” os acordes, precisaremos relembrar uma Tabela de Intervalos, que já vimos em “Dominando Acordes” – para facilitar, vou colocá-la de novo aqui, com uma coluna em branco do lado para você poder utilizar com outras notas.

TABELA DE INTERVALOS:

Vamos começar com C – E – G:

C – é a Tônica, que dá a letra do acorde = C
E – é a terça, que define o acorde como Maior ou menor; no caso, como é maior, não se acrescenta nada ao nome (se fosse menor, adicionaríamos um “m” após a letra da tônica).
G – é a 5.ª perfeita, que define o acorde como o acorde natural de C maior (lembra-se que o acorde Maior é formado de Tônica, 3.ª Maior e 5.ª perfeita?). Então o nosso acorde é simplesmente C (dó maior);

O segundo tem uma nota a mais C – E – G – B:

B – é a 7.ª Maior. Temos que colocar um 7 aí no acorde, mas existem vários acordes com 7.ª.... então aprenderemos uma regra:

3.ª Menor (+) 7.ª menor = X m7
3.ª menor (+) 7.ª Maior = X m(maj7)
3.ª Maior (+) 7.ª menor = X 7
3.ª Maior (+) 7.ª Maior = X maj7 (onde “X” é a Tônica)

Logo, o nosso acorde C – E – G – B, como tem a 3.ª Maior e a 7.ª também, vai se chamar Cmaj7.

O último acorde com tônica C, de 5 notas, é C – E – G – B – D:

D – é a 2.ª Maior, certo? Mas como já demos a volta na escala, esta nota está uma oitava acima; logo, ela é a 9.ª Maior. Teríamos então um acorde Cmaj7maj9 – mas como todos os acordes com 9.ª incluem a 7.ª, não temos necessidade de escrever a 7.ª Fica, então: Cmaj9.

ATENÇÃO:

– Os acordes com 9.a devem basear-se, para nomenclatura, na 9.ª Maior!
– Quando existir 7.a (maior ou menor) e a 9.a for maior, simplesmente substituimos o 7 por 9 no nome.
Ex.: G7 --> G9; Dm7 --> Dm9; Cmaj7 --> Cmaj9 (todas as 9.ªs São Maiores!).
– Quando a 9.a for menor, usa-se “b9” (ou seja, a 9.ª Maior 1 intervalo abaixo), ao final do nome, sem tirar a nomenclatura da 7.ª.
Ex.: Em7 --> Em7b9; G7 --> G7b9.
– O mesmo ocorre quando a 5.ª nota obtida no acorde corresponder à 3.ª menor uma oitava acima: usa-se #9 (ou a 9.ª Maior 1 intervalo acima).
Ex.: Abmaj7 --> Abmaj7#9.

OBS.: O mesmo procedimento é tomado em relação à 5.ª – usa-se #5 e b5 ao final do nome para representar notas 1 intervalo acima ou abaixo da 5.ª perfeita – COM EXCEÇÃO dos acordes onde a 5.ª e a 7.ª são diminutas; neste caso o acorde é acrescido de “dim” ao seu final.
Ex.: Um Bm com a 5.ª diminuta é um Bmb5;
Ex.: Um Bm com a 7.ª menor e a 5a. diminuta é um Bm7b5;
Ex.: Um Bm com a 5.ª e a 7.ª diminutas é um Bdim.

OBS2.: algumas publicações escrevem:
5+ ou 5aug ao invés de #5;
5– ou 5dim ao invés de b5; (o mesmo para as 9.ªs)
Não gosto muito do sistema por confundir (+) com (add) ou (maj), e por confundir (-) com (sus) ou (m). Fica como registro...

Estou escutando risadas de alegria????? É muito fácil!

Pulemos para uma diferente: vamos fazer a harmonização de E.
O primeiro acorde achado é E – G – B.
E – é a tônica, Mi. Nosso nome por enquanto é E.
G – é a 3.ª menor (monte a tabela de intervalos para E e confira!) – Nosso acorde virou Em.
B – é a 5.ª perfeita, formadora dos acordes menores. Nosso acorde é Em.

O segundo acorde acrescenta o D: E – G – B – D.

D – olhe novamente a Tabela de intervalos: B é a 7.ª menor. Se temos também a 3.ª menor, conforme a regra acima o acorde chamar-se-á Em7.

E o último acorde, E – G – B – D – F:
F – na nossa tabela de acordes, corresponde à 9.ª menor. Como vimos acima, chamamos a 9.ª menor de “b9”. E como ela é menor, não tiramos a nomenclatura da 7.ª Logo, teremos Em7b9.
Sua tabela deve estar assim, com as linhas de C e E completas:

Vou fazer mais uma linha: a de B (si)

O primeiro acorde é B – D – F.

B – é a tônica = B
D – 3.ª menor = Bm
F – 5.ª diminuta. Como nomeamos dim somente o acorde com 5.ª e 7.ª diminutas, e não incluímos a 7.ª neste caso, temos que considerar a 5.ª diminuta como a 5.ª Maior 1 intervalo abaixo (vimos isto lá em cima!). Logo, acrescentaremos ao final do nome “b5”. Nosso acorde é Bmb5.

O segundo é B – D – F – A.

A – é a 7.ª menor. Como já temos a 3.ª menor, o acorde é Bm7b5.

O terceiro, B – D – F – A – C.

C – é a 9.ª menor. Seguindo nossa regra das 9.ªs, a 9.ª menor é considerada como 9.ª Maior 1 intervalo abaixo, ou seja, “b9”. Então chamaremos nosso acorde de Bm7b5b9.
Embora os acordes tenham nomes “escabrosos”, na realidade a nomenclatura é simples, se vemos desta forma: sabemos quais as notas e porque elas fazem parte do acorde. Um Bm7b5b9 é, simplesmente, um Si menor com 7.ª (que sabemos fazer de cor) mas com a 5.ª e a 9.ª bemóis. Isto significa que teremos que colocar o dedo da 5.ª e da 9.ª uma casa para trás.
Pô, só isto? Eu sei que alguns dirão que o acorde fica meio complicado de fazer – mas aí eu dou uma dica: se você souber quais os acordes que formam o campo harmônico, e achar difícil fazer um acorde com 5 notas, faça o de 4 notas: ele soará muito bem no contexto da música. É claro que a harmonia vai empobrecer, pela diminuição da quantidade de notas, mas você nunca notou que quando vai ler certos TABs e cifras, em revistas ou na WEB, mesmo que a música fique parecida não sai igual à gravação, ou ainda, diferente do jeito que o músico toca quando você vê o vídeo ou o show? É porque, embora os acordes estejam dentro do campo harmônico, e no tom original da música, eles foram SIMPLIFICADOS para facilitar a execução (ou o cara que tirou era ruim, mesmo...). E se você achar difícil fazer o acorde de 4 notas, transcreva para 3. Agora, se você não conseguir fazer o de 3 notas, VÁ TOCAR CHOCALHO, que só tem UMA nota...

7.º passo (e último...UFA!): Montar progressões harmoniosas ao seu ouvido, e anotá-las para referência. As mais comuns são (os números correspondem aos Graus da escala):

I – III – V
I – IV – V
I – VI – IV – V (turnaround)

Você pode construir várias outras; tente começar com a tônica, “sentir” que forma-se uma tensão e então quebrá-la, voltando ao tom inicial. Use primeiro os acordes de 3 notas, depois substitua alguns por seus correspondentes de 4 ou 5 notas, para enriquecer sua composição. Para tirar uma música, faça o contrário: encontre o tom, e então use os acordes de 3 notas para encaixar na música. Depois, substitua pelos de 4 ou 5 notas até ficar bem parecido com o original.
Ah... tava esquecendo! Uma boa notícia: lembram que as Escalas Menores derivam das Maiores a partir do VI grau? Então como as notas usadas nas duas são as mesmas, nos mesmos intervalos, os acordes também são os mesmos. Isto quer dizer que, se nós fizemos o Campo Harmônico de C (dó maior), os acordes são os mesmos do Campo Harmônico de Am (lá menor). É só montar outra tabelinha, colocar as notas na seqüência correta (a partir da tônica) e copiar os acordes. Ou seja, fazendo as 12 maiores, você já tem as 12 menores quase prontas: é só copiar no lugar certo.
Outra dica: as Escalas menores Harmônica e Melódica só tem poucas notas diferentes. Outra barbada: com o campo harmônico Menor Natural pronto, vai ser “bico” montar os Campos Harmônicos das outras escalas menores. Já são 48 campos harmônicos – dá pra começar a brincar!!!!!
Espero que vocês possam tirar o máximo de proveito deste artigo – garanto a vocês, é o mais completo da WEB sobre o tema (deu o maior trabalho!!!).

Baseado em:
Jimmy Hudson – jimmy@guitarsrule.com
Mike Livengood – lvengood@gene.com
Publicado no site “A Casa das Cifras” (http://www.casa.cifras.nom.br), em 14/01/2.000.

Pra ver tocar...

2009-03-28T04:56:00.001-07:00

Pra ver tocar...

2009-03-28T04:53:00.001-07:00

Blog do Kiko Loureiro

2009-03-24T21:50:00.000-07:00

Taí um blog massa:

http://kikoloureiro.guitarplayer.com.br/

Divirtam-se!

Entrevista: Herbert Vianna, Revista Guitar Player, maio de 1.998

2009-03-24T21:42:00.000-07:00

O Brasil possui grandes guitarristas, todo mundo sabe. Não é a toa que temos inumeros musicos em nossas paginas. Porem, é pouco provável que alguém tenha o mesmo carisma e respeito do lider dos Paralamas do Sucesso. Um guitarrista de acordes cem articulados e timbre inconfundível. O homem de frente de uma das mais importantes bandas do rock nacional. Mais que isso, um apaixonado como poucos pela guitarra. Com voces, Herbert Vianna.

Guitar Player: Ouvindo hei na na, parece que a banda esta cada vez mais madura. Você saiu do estúdio satisfeito?
Herbert Vianna: cara, a gente saiu muito satisfeito. com o passar do tempo, nos fomos chegando a conclusao de que o estudio nao e o ambiente ideal para voce fazer musica. O estudio e um lugar com taximetro rodando, um lical onde as pessoas noa estao necessariamente envolvidas. E hey na na foi uma grande conquista. Trabalhamos com o produtor chico neves e com computadores, o que ajuda muito na praticidade. Gravamos tudo em Pro Tools, nem a mesa usamos. A gente gravava e ia trabalhar depois nos sons. Entao, o chico se tornou um integrante da banda, alem de produtor. nao tinha aquela coisa de dar problema no cabo, nao sei quem foi tomar café, ta com dor de barriga ... Nao houve nada disso, eramos nos, o chico e a musica. nossa vontade de experimentar novs ideias e o tempo pra ver se elas funcionavam eram possiveis devido a rapidez do processo. em geral, somos rapidos em estudio, nunca ficamos muito tempo, exceto em Severino, que noa foi por culpa nossa e sim do produtor.

GP: o disco tem bastante guitarra, mas com som brasileiro. isso tem a ver com trabalhar com produtor Ingles ou Brasileiro, caso de Severino??
HV: Nao, curiosamente Severino e um dos discos mais brasileiros da gente. acho que isso nao e regra. na verdade, depende da safra de composiçoes que vc tenha pra trabalhar. Entao no caso de hey na na , as musicas a um tipo de instrumentação. tem essa coisa da guitarra tb, mais isso e uma coisa deliberada, ha um certo tempo deixei de usar o teclado em casa. tive um encantamento inicial com computador, com essas coisas, e eu passava quase todo o meu tempo trabalhando nisso. Ate que , ha uns tres anos, na final da turne do disco VAmo Bate LAta, a GIBSON ( marca de guitarra) fez a proposta de um patrocinio, e me deram uma Les Paul *(modelo da guitarra). Esse modelo tem um poder sobre a minha pessoa que e uma coisa dificil de descrever. para vc ter uma ideia, quando eu era moleque e nao tinha guitarra ainda, meu irmao me deu uma pagina do Jornal MELODY MAKER com um anuncio da GIBSON com varios modelos. eu dormia com aquilo em baixo do meu travesseiro. Meu heroi em Brasilia, era um cara chamado Eduardo Watson, um guitarrista maravilhoso que tinha uma GIBSON, entao esse nome era muito poderoso para mim. Quando os caras me deram GIBSON LES PAUL e comecei a tocar de novo, parece que tive um flash back da minha infancia, da minha adolescencia, da epoca em que eu comecei a tocar guitarra. voltei a tocar guitarra, comecei a comprar ampilificadores diferentes, experimentar coisas novas e investir mais tempo e paciencia em rpocurar um bom som. Voletei a praticar, tive acesso ao CUSTON SHOP DA GIBSON, que tem alguns modelos extraordinarios de guitarra, e tenho acesso pra experimentar tudo. GP: e isso interferiu na sonoridade do disco? HV: esse ano decidi tocar mais guitarrae queria que o disco tivesse uma presença forte dela. as 2 musicas que abrem hey na na deixam claro que ha guitarra. estamos começanco a turne e estou escolhendo guitarras diferentes para as musicas. antes, levava tres guitarras iguais e tocava o show inteiro com uma, a nao ser que a corda quebrasse, o que acontece muito, porque tenho a mao bem pesada. Agora esta sendo um sonho.

GP: voce vai usar uma guitarra para cada musica?
HV: nao necessariamente. uso uma GIBSON CHET ATKINS na maioria das musicas. Preciso de um som limpo e alto. isso explica porque nunca gostei dos MARSHALLS (marca de amplificadores). E a ATIKINS tem coisas que adoro: o balanço, o peso, o fato de ser semi-acustica; ela tem um volume geral na frente, no corte da guitarra, como as GRETSCH (TB MARCA DE GUITARRA). Em teoria, e uma guitarra country, mas funciona maravilhosamente bem pra mim.

GP: Quais outros modelos vc pretende usar?
HV: Uma GIBSON LES PAUL, nas musicas que tenham solos, que exigem mais peso e volume com distorção, e uma B B KING LUCILLE para tocar Caleidoscopio. Depois que toquei nela, dsescobri porque é a guitarra do Blues. parece um gato ronronado, tem um braço maravilhoso para tocar. A musica Um Amor, Um Lugar, tem uma finação especial, a DADGAD, do JIMMY PAGE, que uso bastante nos violoes. Nela especificamente, uso um capotraste no quinto traste. entao, preciso de uma guitarra so pra essa musica, que é uma EPIPHONE SORRENTO azul, linda, otima de tocar. Apareço com ela no clip de Bela Luna. GP: e pra gravar hey na na, que outros instrumentos usou? HB: usei uma variedade de GIBSONS, EPIPHONES e reedições da STRATOCASTER 57 e da TELECASTER 52. tudo em aplificadores pequenos. peguei uma tara por amplis pequeno, de baixa potencia, bem microfonado. GP: desde quando vc tem essa preferencia: HV: outro dia estava conversando com o Frejat e com o Wander Taffo sobre icrofonação de guitarra e o Wander acredita muito num microfone SHURE SM57 colado no falante. meu set up melhorou bastante a partir daquele dia. qudno gravamos hey na na , colocamos um Fender pro Junior de 15 watts embaixo de uma mesa de madeira. E um amp muito flexivel, otimo para passagens limpas e para solos. usei tambem um AC15 da VOX igualmente bom para sons limpos e que tem um tremolo maravilhoso, um verdadeiro privilegio. Microfonamos com um NEUMANN antigo, tipo 47, a uns 60 cm do aplificador e outro microfone, o chico tem uns sovieticos valvulados atras da mesa, proximo do chao. ali era gerada uma zona de graves e entre esses dois microfones, a gente trabalhava os timbres. sao os melhores sons de guitarra que ja tive.

GP: Todos os sons foram gravados com esses microfones?
HV: Nao. o chico neves comprou o Microfone DUMMY HEAD, da NEUMANN, que tem o formato da cabeça humana, com dois microfones dentro das orelhas. Um microfone normal na boca do falante nao "ouve" o mesmo que vc, nao capta a mesma ambiencia, na esta na mesma posição e angulo. O DUMMY reproduz melhor o modo como ouvimos.

GP: vc usou algum efeito na gravação?
HV: Somente o VOODOO VIBE DA ROGER MAYER. era do chico neves, gostei tanto que comprei um pra mim .

GP: é o mesmo que HENDRIX usava?
HV: Exato. Alguns pedais que ele usava foram relançados, como o OCTAVE, O FUZZ FACE, e um deles é o VOODOO VIBE, que é um voibrato, chorus e trêmolo. usei muito o tremolo dele.

GP: em que momento vc optava entre FENDER E GIBSON?
HV: Experimentava as guitarras. no final do ano, dei para o chico neves uma EPIPHONE CASINO, UMA 335 extremamente bem feita. na ultima hora, surgiu a ideia de gravar a musica do CHARLY GARCIA e o chico sugeriu essa guitarra.. Gravei com a CASINO e chapei. Nunca tinha experimentado no estudio. E uma guitarra maravilhosa. levei varias guitarras no estudio, incluindo uma ES 125 de 1957 com dois captadores P90. Ela nao tem Cutaway, e seu formato é de violão.

GP: Vcs gravaram junto ou em separado?
HV: Nesse disco, pela primeira vez, gravamos a bateria por ultimo. E uma boa punição para um baterista, por que ele ve o angulo dos outros musicos que sempre tem de se adaptar a bateria. Deve ser uma descoberta interessante. No geral, a primeira coisa que gravamos foram o violão e voz com algum loop como guia. acabamos deixando alguns loops no formato final dasa musicas.

GP: Como vcs escolhem as musicas que vao entrar nos discos?
HV: vemos as que funcionam melhor. Para esse disco nos preparamos bastante, fomo para o estudio com 18 canções. ha musicas de que gosto muito e que ficaram de fora. Eventualmente mando essas musicas para outras pessoas gravarem.

GP: Pode citar algum caso?
HV: mandei uma para o DJAVAN. E uma das minhas favoritas, mas nao consigui cantar porque tenho limitações vocais. Gosto tanto dela que acho que merece ser bem cantada.

GP: Por Sempre Andar lembra Blues antigo. Como foi feita?
HV: a ideia dessa musica nasceu de um riff de guitarra, uma STRATO 57 ligada no FENDER PRO JUNIOR, sem efeitos. E uma coisa bastante simples e facil, mas que funciona bem. tenho varias ideias de riffs na manga pra desenvolver.

GP: Houve algum truque para passar o sinal da guitarra, botanto o amplificador em outro ambiente por exemplo?
HV: Onde mixamos havia uma sala de pedra maravilhosa e trabalhamos ali. Depois, o engenheiro lancou o sinal da guitarra num VOX AC 30. Ele microfonou de novo e tratou o som da guitarra. Fiquei tão impressionado com o resultado que encomendei uns amplificadores VOX para a proxima turne. No momento uso dois FENDER BLUES DE VILLE DE 60 WATTS, e dois falante de "12" cada. Uso o volume no Tres, abro o estereo e o som fica fabuloso. Nao sei se o VOX vai supera-los.

GP: A musica "Depois da Queda o Coice" tem uma pegada forte de guitarra, uns fraseados de blues.
HV: Isso vai parecer extranho para quem acompanha Os Paralamas, mas quando eu comecei, tudo o que eu queria era tocar Blues como os guitarristas de rock o faziam. Um dos meus favoritotos é um car chamado PAUL KOSSOF, que tocava no FREE. Amo esse cra tocando guitarra! Bem, nao preciso falar da Trindade, Clapton, Page e Beck. Acho que JEFF BECK é o melhor guitarrista que ja existiu. Adoro Jimi Hendriz tb, mas por outras razoes: a personalidade como compositor, a relação voz e guitarra ... Agora como solista, nunca houve ninguem como JEFF BECK. Depois que voltei a tocar guitarra com empenho, passo o dia inteiro tocando blues em casa. Um pequeno lampejo disso é Caleidoscopio, que tem uma linguagem de blues e deixa claro que este nao e um didoma estranho pra mim. Caleidoscopio e uma das musicas que mais espero no show, porque posso fazer um solo longo, lento ...

GP: Trem da Juventude tem acoredes de Bossa Nova e uma segunda cadencia pop ...
HV: É uma harmonia que vai progredindo.

GP: Vc a compos intuitivamente?
HV: quando morava me Brasilia, tive aulas durante um ano e meio com um cara chamado Alcione. era um violonista fabuloso, sabia muito de harmonia. Ele tinha um violão que nunca vi igual, um DEL VECCHIO com trastes inclinados. Quando vc fazia movimentos que exigem abrtura muito grande, como o traste era inclinado, dava um alcance maior. Aprendi todos os classicos da Bossa Nova. MAs depois comecei a tocar blues, harmonias e estruturas harmonicas mais simples.

GP: Mas existem composiçoes elaboradas na trajetoria do Paralamas?
HV: "Quase Um Segundo" é uma musica de acordes sofisticados. Outro exemplo de musica que harmonicamente é um pequeno trabalho de artesão é Nebulosa do Amor, do disco Big Bang. A´passagem da introdução de bossa nova de 3/4 para 2/4, e a sofisticação da harmonia sao coisas de quem teve oportunidade de estudar um puco de bossa.

GP: Voce toca bossa nova?
HV: so toco em casa, de onda. Nao sou um profundo conhecedor de teoria, nao sei nome de nehum acorde, nada. Mas intuitivamente sei alguns lances. Gosto de harmonizar "A Times Goes By" e outros classicos americanos. Adoro solar e harmonizar ao mesmo tempo.

GP: Fale um pouco sobre as afinações que usa.
HV: Comecei a usar a afinação DADGAD depois que tive a oportunidade de passar algumas horas com o Jimmii Page. levei minha GIBSON de dois Braços ´para ele assinare conversamos a tarde toda. usei uma afinação que inventei no disco SEVERINO, era, MI, LA, RE, MI, LA, MI, de baixo para cima, muito boa para tocar coisas arabes, meio nordestinas. Quando ele pegou a guitarra e começou a tocar me perguntou: O que é isso?, e anotou em um pedaço de papel. ele é louco por afinações alternativas, depois me mostrou coisas do DADGAD como tocava KASHMIR. A musica BRASLIA 5:31 é feita com com um violão de 12 cordas na DADGAD com capotraste preso na segunda casa. tenho uma outra que é em SOL Aberto, e recentemente o Lulu Santos me ensinou a do Keith Richards em 5 cordas. Estou fazendo algumas coisas nessa afinação.

GP: Em Brasilia 5:31 voce usa Slide e Ebow?
HV: Toco com slide, o ebow foi o Dado Villa- Lobos quem usou. Nunca me apliquei em usar slide e sei que quem oca bem slide usa afinações diferentes. Eu precisaria de muito treino para aprender a solar numa afinação diferente, então preferi a normal. Isso nem sempre e satisfatório, as vezes sobra um acorde, uma nota, principalmente para acordes menores.

GP: Você usa algum efeito naquela musica?
HV: Não. Coloquei a Chet Atkins direto num pré-amplificador valvulado muito antigo.Deu um som gordo, meio velado. Fiz algumas experiências assim, e as vezes dá um resultado surpreendente. A musica Speed racer, do primeiro do primeiro disco da Fernanda Abreu, que regravei no disco Santorini Blues, tem aquela guitarra com um osm bem diferente. E uma Telecaster com um compressor, ligada direta na mesa e com o TOM todo fechado.

GP:O disco tem varias participações de músicos de estilos bem variados: Dado Villa Lobos, Carlinhos Malta, Jorge Mautner, Marisa Monte. Existe algum critério na escolha desse pessoal?
HV: Nos ficamos ouvindo as musicas e algum nome vem a cabeça. Foi assim com Uma Brasileira, por exemplo. Dissemos: Ia ser lindo se o Djavan cantasse. A musica era a cara dele. Na faixa O Amor Não Sabe Esperar, do disco novo, a gente queria que o Tim Maia cantasse com a Marisa Monte. Chegamos a falar com ele quando o encontramos no aeroporto Santos Dumont (RJ). Ele disse [imitando o modo de Tim Maia falar] “ Preciso de seis canais: um pra voz principal, outro mais em baixo para os sussurros, outro para a oitavinha la em cima e três pro vocalzinho, maiorzinho, perfeito, la la l ala ...” Ficou horas falando sobre isso. Nos topamos. Ligamos pra ele varias vezes. E lógico, O Tim não pareceu (rsrs).

GP: da pra percebe que vocês ouvem de tudo e tem um conhecimento musical vasto.
HV: conhecimento a gente não tem e sim muita curiosidade e entusiasmo. Temos as nossa limitações e algumas coisas de que não gostamos.

GP: Por exemplo?
HV: A musica eletronia de pista. Nesse disco, fizemos alguns remixes e estamos na duvida sobre o que fazer com eles. Não gostamos de pegar uma musica e transformar num bate estaca. Fiz 37 anos, ouvi Led Zeppelin a vida inteira e pensava: “ Que legal. Os caras não lançarem singles do disco”. Não quero ser xiita com isso, single e bacana tb, mas no fundo da minha alma tem alguma coisa que não se adapta muito bem a essa idéia de baratear, fazer a musica soar igual a um monte de coisas que tocam na pista. Acho super bacana esse pessoal do MASSIVE ATTACK, mas em geral, não sou fã das transformações de musica que não são feitas com essa intenção para a pista. Fizemos remixes para ver como e que soa e alguns dubs. Mas musica eletrônicarealmente não e do meu gosto. Prefiro ouvir uma banda tocando.

GP: Como os arranjos dos Paralamas são feitos?
HV: Há um arranjo prévio. Começamos a trabalhar e vamos mudando ate chegar ao que a gente chama de formato orgânico, a maneira confortável de tocar.

GP: Você e um guitarrista que se estabeleceu como compositor. O que vc acha disso?
HV: Eddie Van Halen e um guitarrista fabuloso, porem gerou uma onda de guitarristas com a qual não consigo me relacionar. Virou uma corrida técnica sabe?
Gosto da simplicidade de um bom vibrato sabe, da melodia que a sua alma esta esperando, da nota que atinge em cheio. O Blues tem muito disso. Keith Richards não e grande tecnicamente. Mas se você pegar Yngwie Malmsteen, Satriani, Steve Vai, Frank Gambale, botar todos eles num saco, comprimir e tentar extrair algo, não vai ter nada que chegue aos pés da introdução de Honky Tonky Woman. E a idéia o que conta, a simplicidade. Se o cara tem uma boa idéia, ele e um pintor. A guitarra e um instrumento para vc colorir uma musica. Entendo que a molecada qdo esta começando queira tocar rápido e se espelhe naquilo, mas não tenho a menor atração por este tipo de approach.

GP: O que vc acha dos exercícios para desenvolver a composição?
HV: O Santana falou que isso não se aprende na escola. Você nas ce com isso ou não. Quando vc esta tocando, esta falando alguma coisa. No moneto em que existe uma separação entre sua cabeça e sua mão, não e você que esta tocando. Composição e a idéia, tem gente que tem boas idéias, originais, outras pessoas não terão nunca. E tem gente que tem boas idéias mas não exercita isso, não cuida do seu aparelho produtor de canções. Uma musica de sucesso e aquela que fala sobre algo que todo mundo sente e não consegue articular. Detalhes, do Roberto Carlos, por exemplo. Todo mundo que ouve sabe o que esta sendo dito: “Isto e exatamente o que eu gostaria de ter falado”. A capacidade de pegar isso é um privilegio que Deus da pra algumas pessoas. Não estou me colocando em uma posição especial , de maneira nenhuma. Não sou o Edgar Scandurra pra tocar, não sou o Renato Russo pra cantar e nem o Cazuza para compor. Arrumo um pouco daqui, um pouco dali. Estou trabalhando nisso há muito tempo. As idéias estão aí e se vc consegue captá-las deve cuidar da sua antena. Isso tem relação come estar exposto a coisas legais. No meu caso é ler muito, ouvir muita musica, ir ao cinema, andar na rua.

GP: Fale sobre sua paixão pela guitarra:
HV: Tenho fotografias minhas, usando chupeta e co um violãozinho de brinquedo. Qdo eu tinha cinco anos, meu pai me deu o primeiro violão, um Giannini. Aos 14 anos, ganhei minha rimeira guitarra, uma GIBSON L6S.

GP: Vc ainda tem essa guitarra?
HV: tenho, mas não e uma boa guitarra. É uma linha que a GIBSON tentou lançar mas não ndou pra frente. Nunca usei profissionalmente.

GP: Como esta sua coleção de guitarras?
HV: Esse e um dos maiores problemas que vou deixar para meus filhos. O que eles vão fazer com essas guitarras quando eu morrer? Pq é uma tara. Qdo eu era moleque, sonhava com guitarra, desenhava modelos em todos os cadernos. Assim que o Paralamas começou a ter algum sucesso e tive acesso a instrumentos legais .. ai foi um fim de mundo! Comecei a comprar, comprar, comprar guitarras e chegou um momento que não tinha onde colocá-las. Não podia usar ne cuidar de todas elas. Então adotei a política de que cada guitarra que eu comprasse, teria de dar uma.

GP: E como vc fez isso?
HV: O João Fera, nosso tecladista, é o meu olheiro musical e fica nos subúrbios do Rio, observando músicos que esta ralando na noite e não tem instrumento bom. Já tive a oprtunidade de dar instrumentos para pessoas ilustres. Por exemplo, para o Cidade Negra, o Ratos de Porão, O Rubinho, guitarrista do Programa Jô Soares Onze e Meia. Tenho muito prazer em fazer isso porque adoro o objeto guitarra.

GP: Chegaram varias cartas na redação pedindo ( rsrsrssr)
HV: No começo eu comprava qualquer coisa que aparecesse na frente. Depois fui ficano mais seletivo, principalmente após o acesso ao Custom Shop da GIBSON.

GP: E quantas vc tem?
HV: Cara, eu não saberia dizer. Guardo num misto de estúdio, deposito de guitarras e adega., o que não e uma combinação muito saudável ( rsrssr). Deixo tudo empilhado, e uma zona. Minha mulher não quer nem ver aquele lugar. Pretendo ter um lugar mais organizado para pendurar as guitarras

GP:Qual e a mais curiosa e a que vc mais gosta?
HV: tenho duas guitarras que usei muito. São Startocsaters da serie The Strat. Comprei pq o Lulu Santos e o Roberto do Recife tinham. Consegui duas desse modelo, uma azul metálica e outra de uma cor chamada Candy Maple Red. Ela está tão ralada, tão detonada, que o vermelho parece preto. Usei durante muito tempo e guardo como uma coisa especial.Tenho uma Gobson que e uma das mais difíceis de encontrar: a Les Paul reedição de 1959. Poucas unidades são feitas por ano, com um tipo de madeiras que ficam guardadas em depósitos especiais. A guitarra e um sonho.

GP: Voltando a sua técnica, vc tem uma pegada peculiar e com boa definição. Você faz exercícios?
HV: estudei muito no começo. Tenho um amigo que mora nos EUA, o Ney de Mello Matos, que e o cara mais técnico que conheço. Ele tem um violão de 38 trastes, e um monstro, tecnicamente nunca vi uma coisa similar. Durante uma época, ele me mandava exercícios. Eu so tocava violão, com cordas muito pesadas e palhetas de pedra. Fazia muitos exercícios de escala. Mas qdo ouvi as bandas Punks, O The Clash, The Specials, Madness, Police, nunca mais fiz exercícios. O que faço e tocar muito. Recentemente, o Wander Taffo me deu uns exercícios, ele me falou: Se vc fizer isso 15 minutos por dia, vai melhorar a sua mão direita. O Wander ama fazer exercício, o domínio técnico dele e incrível. Porem, isso realmente não funciona comigo. Ouça uma introdução como a de Start Me Up e falo: e isso que gosto de fazer. Quando estou numa loja de instrumentos e um molequinho toca os solos de Lanterna dos Afogados e Romance Ideal, me realizo. Não preciso mais do que isso.

Video Aula: Campo Harmônico

2009-03-24T21:01:00.000-07:00

Citação: Frank Zappa

2009-03-24T20:39:00.001-07:00

"A maioria das pessoas não reconheceria uma música boa se ela viesse e as mordesse na bunda."

Frank Zappa

Citação: Duane Allman

2009-03-24T20:38:00.001-07:00

"Há muitas formas diferentes de comunicação, mas a música é, sem dúvida, a mais pura de todas. Não se pode ferir ninguém com ela. Você pode até ofender alguém com determinadas canções, mas para isto é necessário que algo seja dito - impossível um instrumental magoar alguém de alguma forma. Por isso eu digo: música é uma graça divina."

Duane Allman

Citação: Jimi Hendrix

2009-03-24T20:35:00.003-07:00

"Eu tento usar a minha música como uma máquina para fazer estas pessoas agirem - para que façam mudanças"

Jimi Hendrix

Citação: Jimi Hendrix

2009-03-24T20:35:00.001-07:00

"Minha filosofia pessoal é minha música. Nada menos que a música - vida - isso é tudo"

Jimi Hendrix

Citação: Jimi Hendrix

2009-03-24T20:34:00.003-07:00

"Música me faz sentir o máximo no palco, e isto é verdade. É como ser um viciado em música."

Jimi Hendrix

Citação: Jimi Hendrix

2009-03-24T20:34:00.001-07:00

"As vezes em que queimei minha guitarra foi como um sacrifício. Você sacrifica as coisas que você ama. Eu amo a minha guitarra."

Jimi Hendrix

Citação: Jimi Hendrix

2009-03-24T20:33:00.003-07:00

"Você tem que esquecer o que as pessoas dizem, quando você possivelmente estiver para morrer ou quando você estiver amando. Você tem que esquecer todas essas coisas. Você tem que ir em frente e ser louco. A loucura é como o céu."

Jimi Hendrix

Citação: Jimi Hendrix

2009-03-24T20:33:00.001-07:00

"Meu objetivo é ser o número 1 com a música. Eu dedico apenas toda a minha vida para esta arte"

Jimi Hendrix

Citação: Jimi Hendrix

2009-03-24T20:32:00.000-07:00

Imaginação é a chave para as minhas letras. O resto é temperado com um pouco de ficção científica"

Jimi Hendrix

Video Aula - Sergio Cavalieri

2009-03-24T20:04:00.000-07:00

Parte 1:

Parte 2:

Citação: Eddie Van Halen

2009-03-24T19:58:00.004-07:00

Não vivo na fossa, portanto não toco blues. Até que sou um cara feliz.

Eddie Van Halen

Citação: Cazuza

2009-03-24T19:58:00.003-07:00

Eu fico feliz quando penso que o homem difere dos bichos e das plantas porque pode amar sem reproduzir - embora o Papa não goste disso.

Cazuza

Citação

2009-03-24T19:58:00.001-07:00

Um bom par de bermudas.

Angus Young, AC/DC, perguntado sobre o que definia um grande guitarrista.

Citação

2009-03-24T19:57:00.000-07:00

Quando você toca um acorde, um monte de garotos no meio do público está tocando com você.

Angus Young, AC/DC

Citação

2009-03-24T19:47:00.003-07:00

"Eu nunca serei um daqueles caras que tocam um solo maior do que deveria ser. Meus solos complementam a música. A música é o mais importante, não o solo."

Slash

Citação

2009-03-24T19:47:00.001-07:00

"O que eu achava mais interessante em Chuck Berry era a facilidade com que ele conseguia deixar momentaneamente de tocar o ritmo para introduzir um solo, e em seguida mergulhar de novo na marcação rítmica. Antes, o guitarrista ficava muito preso à marcação do ritmo. Agora a diferença entre guitarra base e guitarra solo ficou diluída. Você não pode entrar numa loja e pedir uma 'guitarr solo'. Você é um guitarrista, toca uma guitarra, e pronto."

Keith Richards

Citação

2009-03-24T19:46:00.006-07:00

"Aprender a tocar violão é uma combinação de aquisição de habilidade mental e motora. E para desenvolver a habilidade motora a repetição é essencial... Sempre que um músico tem dificuldade na execução de um trecho, ele tende a achar que lhe falta talento. Na realidade ele apenas não sabe onde seus dedos deveriam estar... Você deve memorizar a música antes de executá-la. E, ao tocá-la, faça-a tão lentamente que não haja possibilidade de cometer um erro."

Howard Roberts

Citação

2009-03-24T19:46:00.005-07:00

"Eu tocava sempre que podia pegar numa guitarra elétrica. Estava tentando aprender rocks e blues elétricos – os últimos de Muddy Waters. E passava horas e horas no mesmo trecho, tocando outra vez, outra vez e outra vez."

Keith Richards

Citação

2009-03-24T19:46:00.003-07:00

"Quando faço exercícios, geralmente coloco um disco bem quente na vitrola, aumento o volume e toco junto com ele. Isso me dá a sensação de estar tocando junto com a banda, mantém a adrenalina fluindo."

Albert Lee

Citação

2009-03-24T19:46:00.001-07:00

"As partes que o guitarrista pode tocar são aquelas que nao podem ser ditas - por isso que a guitarra as diz... A peça que está sendo tocada determina muito mais aquilo que você toca do que seu próprio estilo - como nos velhos blues, em que o slide 'falava'... Para mim, não há muito sentido em se executar um solo só pelo solo em si: ele deve se moldar naturalmente no contexto."

Mark Knopfler

Citação

2009-03-24T19:45:00.003-07:00

"Ouvir o maior número possível de solos de guitarra é o melhor método para alguém nos primeiros estágios. Mas os solos de saxofone também podem ser úteis. Eles são interessantes por consistirem apenas de notas isoladas, podendo, assim, ser repetidos na guitarra. Se você conseguir copiar um solo de saxofone estará tocando muito bem, pois o saxofonista comum toca bem melhor que um guitarrista comum."

Ritchie Blackmore

Citação

2009-03-24T19:45:00.001-07:00

"Eu costumava praticar escalas, mas hoje penso fundamentalmente em posições. Faço pequenas corridas de uma posição para outra, basicamente em torno dos desenhos de acordes. Consigo passar facilmente de uma posiçao para outra, a coisa soa bem quente. Também me arriso. Às vezes tropeço e caio, mas na maioria delas tenho sorte."

Albert Lee

Citação

2009-03-24T19:40:00.001-07:00

"Eu não tenho nenhum desejo particular de tocar um solo de dez minutos. Para mim, eles nunca foram válidos, nunca. Eu os considerei sempre uma maneira de acumular uma tensão no público... Um solo deve criar alguma coisa e não agir como simples cosmético. Ele deve possuir algum objetivo, levar a melodia a algum lugar. Não estou dizendo que consigo, mas ao menos tento levar a melodia a algum lugar."

Jeff Beck

Citação

2009-03-24T19:37:00.001-07:00

"O único planejamento que faço é aproximadamente um minuto antes de tocar. Tento pensar em algo que surta efeito, mas nunca me preparo para elaborar um solo nota por nota."

Eric Clapton

Textos de Teoria Musical

2009-03-24T19:29:00.000-07:00

Aí, gente! Voltei – vim dar um Feliz Natal, um ótimo 2000 e deixar embaixo das suas árvores de Natal um presentaço: Um esquema técnico de obtenção de força, precisão e velocidade, para ser debulhado durante as Festas, férias – e durante A VIDA TODA – afinal, praticar é primordial para um instrumentista. Embora o exercício consista em movimentos de ME/MD muito comuns, a maneira como foi organizada a coisa toda é que é o verdadeiro barato – parabéns ao autor, Tim Fullerton (info ao fim do artigo). Adaptei algumas coisas para simplificar, OK?
MAS ATENÇÃO: só comece a praticar esta técnica DEPOIS de estar totalmente certo deter dominado os conceitos vistos nos artigos de Postura e Posicionamento – de outra forma, além de estar praticando algo errado você poderá estar prejudicando SUA SAÚDE – tendinites, dores musculares e má postura de coluna podem ser os seus resultados...
Tudo Certo? Vamos por a mão na massa – ou na guita...

ARTIGO 11
TÉCNICA INFERNAL (by Tim Fullerton)

Verifique os aspectos básicos de Postura e Posicionamento:

A) Posição do instrumento;
B) 1. Posicionamento do polegar esquerdo e abrangência dos dedos da Mão Esquerda (lembre-se: polegar abaixo da linha da corda G);
2. Pressão do polegar Mão Esquerda contra o braço (NUNCA! leveza!);
C) Pulso esquerdo (reto como régua, palma longe da parte inferior do braço...);
D) Palma da Mão Esquerda paralela à parte inferior do braço;
E) Posicionamento das pontas dos dedos Mão Esquerda (próximos à escala);
F) Posicionamento geral da Mão Direita;
G) Posição da palheta (ângulo correto – menor barulho possível)
H) NUNCA APOIE a Mão Direita;
I) Procure utilizar o menor esforço possível para palhetar (encurte a distância);
J) Relaxamento – NUNCA fique tenso.

i.) Você deverá estar com uma planilha “Technique from Hell” em suas mãos e um METRÔNOMO (sem este aparelho, você poderá simplesmente treinar os movimentos, mas não conseguirá constatar com certeza como está sua evolução);
ii.) Os números à esquerda correspondem à ordem dos dedos da Mão Esquerda;

iii.) Os títulos de cada coluna correspondem ao tipo de “movimento” dos dedos da Mão Esquerda (existe um desenho desses padrões logo abaixo);

iv.) A técnica consiste no seguinte: faça cada seqüência tipo “1234” de exercício 5 vezes seguidas, acompanhado de um metrônomo. Ao conseguir fazê-lo, SEM NENHUM ERRO, verifique qual o andamento. Diminua este número em 10% e anote na planilha. Faça isso para todas as combinações – recomendo que utilize uma coluna de cada vez – iniciando pela S (SINGLE STRING), e avançando para a direita, onde os movimentos são mais complicados.

v.) Faça as anotações à lápis, e mantenha sempre uma nova cópia da planilha em papel ou salva em disquete para as futuras anotações.

vi.) Porque diminuir 10%? Ora, o número que você obteve é a sua velocidade máxima para aquele tipo de digitação. O número anotado é o seu OBJETIVO – quando você conseguir repetir aquela mesma digitação 5 VEZES SEGUIDAS, SEM NENHUM ERRO, NAQUELA VELOCIDADE ANOTADA, parabéns! Diminua 10%, anote o novo score e comece a treinar mais para bater seu prórpio recorde!

vii.) Estes são os 5 padrões (um em cada coluna – confira em sua planilha) – eles vão aumentando a dificuldade, da esquerda para a direita. Logo, inicie pelo S e vá movendo para a direita à medida que sua técnica for aprimorando.
viii.) Tim Fullerton descreve em seu artigo que o guitarrista deve utilizar várias planilhas, uma para cada estilo de palhetada. Seriam elas: (onde b = para baixo; c = para cima)

b, c, b, c
c, b, c, b
b, b, b, b
c, c, c, c

Embora eu entenda que o correto é isto mesmo, a coisa ficaria muito além do “Inferno”, como ele nomeia a técnica... Adotei uma simplificação que agrada a muitos que utilizam a planilha: o alternate picking (b, c, b, c) e o sweep (b, b, b, b) – que são as mais utilizadas. De vez em quando, faça um pouco das outras possibilidades, a título de treinamento, mas sem tanta responsabilidade – afinal, não pecamos tanto assim...

ix.) Procure praticar em locais distintos da escala. Não fique somente nas mesmas cordas, nas mesmas casas... embora seja muito mais fácil digitar da 12.ª casa pra cima e nas cordas de baixo, é obrigatório praticar em todos os lugares – ou você vai fazer um buraco na escala...

x.) Você deve praticar 6 dias por semana, passando por todas as digitações numéricas (tipo 1234) em pelo menos uma coluna de padrões (S, A, D, P, V). Tente dedicar pelo menos 1 hora diária a esta metodologia.

xi.) Só isso... em pouco tempo você vai notar (e ter provas documentais!!!) da sua evolução em velocidade, força nos dedos e técnica. MAS LEMBRE-SE: NÃO VALE ROUBAR!!!!! Se você não conseguir atingir a marca de 5 exercícios completos sem errar, TENTE NOVAMENTE – anotar um tempo falso, que você não conseguiu atingir, não vai lhe adiantar em nada. Afinal, não é uma corrida, é uma metodologia de auto-superação.

xii.) MUITA ATENÇÃO: como você vai desenvolver velocidade e força (o que não quer dizer que você vá apertar as cordas feito um louco...) em pouco tempo, sempre que for praticar AQUEÇA. É Isso mesmo – como se fosse entrar em campo! O melhor jeito é fazer uma série de 5 minutos de cromáticos BEM DEVAGAR – pelo menos até inventarem outra técnica. Depois, pode debulhar a bichinha.
OBSERVAÇÃO: ligue-se na seqüência da frase. Fazer 5 vezes uma digitação 1234 significa digitar: 12341234123412341234 – e não 1234......1234........1234...... Deu pra entender?

11.1) O Metrônomo

Para quem não sabe, o metrônomo, como o nome diz, é um aparelho destinado a marcar o tempo musical. Existem vários tipos e modelos – não tem um? O melhor para este tipo de exercício é o movido a pilha/bateria, com dial frontal. O tempo mantido é infalível, o dial tem incrementos de tempo standard e você pode mudar de velocidade instantaneamente – tudo isto é bem vindo nesta técnica.
Outros tipos são os pequenos digitais, os tipo plug-in mecânicos e os “vovôs” de pêndulo invertido.
Os pequenos digitais são ótimos para todos os propósitos – são mais baratos o mantém o tempo infalível. Talvez sejam um pouco impróprios para este tipo de exercício pois para incrementar a velocidade você tem que ficar segurando os pequenos botõezinhos até chegar ao valor desejado – e os incrementos não são standard, e sim, em unidades. Numa hora de estudo, com tantas digitações e um tempo pra cada uma, você vai perder 1/2 hora só com o metrônomo...
Os outros são – desculpem – uma droga.... Os mecânicos tipo plug-in variam a velocidade de acordo com a corrente elétrica do local, acusando maior velocidade do que o real quando houver quedas na corrente (você vai se sentir Joe Satch quando os vizinhos ligarem chuveiro, ar-condicionado e secadora de roupas...). E os velhinhos com pêndulo não marcam o tempo com exatidão.

11.2.) Incrementos “Standard” em Metrônomos

40 – 60: acréscimos de 2
40, 42, 44, 46, 48, 50, 52, 54, 56, 58, 60

60 – 72: acréscimos de 3
60, 63, 66, 69, 72

72 – 120: acréscimos de 4
72, 76, 80, 84, 88, 92, 96, 100, 104, 108, 112, 116, 120

120 – 144: acréscimos de 6
120, 126, 132, 138, 144

144 – 208: acréscimos de 8
144, 152, 160, 168, 176, 184, 192, 200, 208

Agora é só pegar sua planilha, pegar a guitarra e PRATICAR, PRATICAR, PRATICAR......... Com certeza, em nosso próximo artigo (só em Janeiro/2000...) você já vai estar “FERA”!

Baseado em:
Tim Fullerton – fullerto@cis.ohio-state.edu
Publicado no site “A Casa das Cifras” (http://www.casa.cifras.nom.br), em 20/12/1.999.

Backing Tracks: 24 BT's de Blues!

2009-03-24T19:15:00.001-07:00

Citação

2009-03-24T18:57:00.000-07:00

"Aprendi a conhecer o braço da guitarra há muito tempo, praticando todas as escalas em todas as posições... É preciso aprender isso - não há como escapar. Agora troco de posições com tanta facilidade que nem preciso pensar muito... Eu sugeriria que se começasse aprendendo escalas maiores e menores, passando depois para diminutas, aumentadas e escalas de tons inteiros. A seguir, dependenndo do tipo de música que você quer tocar, é preciso aprender os modos. Minha teoria a esse respeito é que deve se aprender tudo. Sabendo disso, você poderá tocar o que quiser, e obterá uma forma mais avançada de tocar e um conhecimento maior do instrumento."

Al Di Meola

Textos de Teoria Musical

2009-03-24T18:55:00.000-07:00

Este é outro artigo adaptado de Brett Ratner (confira sua mini-bio no artigo “8.) Evitando G.A.S”). Foi baseado numa entrevista com Roger Fritz, ex-luthier e chefe do departamento de reparos da Gibson – foi também proprietário da Fritz Bros. Guitars, fábrica de instrumentos “High-end” feitos artesanalmente à mão nos EUA. O assunto é madeira – isso mesmo... Conheça a particularidade de cada uma, e as características que são herdadas pelos instrumentos feitos com elas.
Com certeza, quando você for comprar seu próximo instrumento, isto o ajudará a decidir entre uma ou outra marca – principalmente se você estiver optando por uma “cópia” de boa qualidade – a menos que você seja um dos sortudos cheios da grana que compram as “top” das melhores marcas mundiais, impossíveis para o resto de nós, pobres mortais...

ARTIGO 10
MATÉRIA-PRIMA: MADEIRA

Os componentes utilizados e os procedimentos de fabricação de um instrumento musical influenciam diretamente na sua característica sonora. Desde a matéria-prima principal de sua construção – a madeira, passando pelo tipo de junção corpo/braço, formas, escala, “hardware” (partes metálicas: ponte, trastes, tarrachas...) e eletrônica (pick-ups, instalação elétrica, circuitos e conexões).
Ao comprar um instrumento, após estar devidamente “vacinado” contra GAS (leia nosso artigo...), você não precisa ser um profundo conhecedor de instrumentos musicais, mas deve saber o básico sobre cada componente e um pouco sobre construção, para poder escolher sem ser ludibriado pelo aspecto exterior – é claro que é muito legal comprar aquela guitarra com a pintura parecida com a do seu ídolo, ou aquele violão folk com “pick-guard” perolizado... mas a aparência DEVE ser deixada como útlima análise na hora da decisão.
Neste artigo, você conhecerá as principais madeiras utilizadas na construção de instrumentos de cordas; quando for optar por um instrumento, pergunte ao vendedor qual a madeira utilizada. Isto deve ser feito, sempre. Quando ele não souber, peça para se informar com o fabricante, verifique manuais ou, no caso de usados, pesquise no site do fabricante – as melhores marcas (e até as boas cópias) mantém informações precisas de modelos recentes e respondem à dúvidas sobre modelos fora-de-linha através de e-mail (a maioria em inglês...).
A opção por um instrumento mais barato pode ser fatal, às vezes, pela matéria-prima utilizada; se o problema do instrumento for a madeira, o investimento para consertá-lo será muito alto, arrasando com o negócio feito. Portanto, atente-se às dicas abaixo, e boa sorte! (vou colocar os nomes também em inglês porque é o que você vai encontrar em manuais e sites de fabricantes, OK?)

I.) Espruce (spruce): embora não tão bonita quanto Bordo (maple), é a vencedora de todos os tempos para o tampo de violões “flat top” (tampo plano). Espruce é leve e tem veio apertado. Isto faz com que a madeira, quando corretamente cortada, vibre de maneira muito semelhante a um cone de alto-falante. Melhor ainda, com o passar dos anos, a seiva escondida nos veios seca gradualmente e cristaliza-se, acentuando ainda mais o brilho e qualidade de resonância da madeira. Espruce “engleman” é a preferida para tampos de violão.
II.) Jacarandá (rosewood): esta madeira, principalmente o Jacarandá Brasileiro, tem-se tornado o padrão de qualidade máxima para traseiras e laterais de violões acústicos. Denso e de aparência maravilhosa, jacarandá proporciona um grave cheio, ótima “mordida” em tons de pico e um distinto médio “quase piano” ao timbre. Enquanto o jacarandá é obviamente perfeito também para escalas, fabricantes tem tido várias limitações para o seu uso em outras partes de guitarras elétricas de corpo sólido. As guitarras ficam muito pesadas, com timbre demasiadamente brilhante e/ou com preço proibitivo. Isto porque a madeira é rara e muito cara. Além desses problemas, a sua porosidade natural requer uma quantidade enorme de selador (e consequentemente mão-de-obra de acabamento) antes da laqueação ou pintura.

III.) Mogno (mahogany): o mogno tornou-se popular para violões pela sua beleza e por ser bem mais barato. Um exemplo? Enquanto o “top de linha” Martin D-28 tem traseira e laterais em jacarandá, seu “primo pobre”, o Martin D-18 usa mogno; de resto, são idênticos. O uso do mogno proporciona um timbre mais “sala de estar” ao violão. Em outras palavras, o som é estridente, e não brilhante. Não tem uma sonoridade “potente”, mas tem sua característica própria – que agradou, inclusive, aos Beatles, em suas primeiras gravações, quando utilizavam Gibson acústicas de construção em mogno. Indo mais longe, até as elétricas de corpo sólido, pode-se construir uma guitarra inteira somente com mogno (exceto a escala). O timbre em elétricas é marcado pelo som morno, repleto de frequências de baixas a médias.

IV.) Amieiro (alder): amieiro é o material clássico usado no corpo das Stratocaster (embora os primeiros modelos tivessem corpo em freixo). O amieiro é de fácil manuseio na fabricação, porque independe do uso de muita seladora. Tem como característica um som cheio e encorpado, mas não chega a ter a “mordida” do freixo. Segundo Fritz, o amieiro é o Chevrolet das madeiras densas (para nós no Brasil, seria o Fusca...). É também muito utilizada nas semi-acústicas.

V.) Freixo (ash): estridente, porosa e pesada seriam as palavras ideais para descrever o freixo, o ingrediente clássico do timbre Telecaster.

VI.) Bordo (maple): os principais usos desta madeira são na cosntrução de braços e como “capa” em guitarras elétricas. O bordo é extremamente denso e duro. Ao mesmo tempo que é ideal para suportar o stress da tensão das cordas como braço, é pesada e muito brilhante para servir como corpo em guitarras sólidas. As Les Paul STD usam a “capa” de bordo para dar um brilho ao som morno do corpo em mogno. A “capa” de bordo pode ser ainda trabalhada de modo a “desenhar” de maneira extraordinariamente bonita o corpo do instrumento, já que os padrões dos veios, cortados de maneira artística, ao serem preenchidos com os mais diversos processos de acabamento disponíveis são enfatizados. Vide as PRS de Carlos Santana ou as Gibson Les Paul Flamed Maple. O bordo pode ser também utilizado em fundo ou laterais de violões, mas não com tanta frequência como jacarandá ou mogno.

VII.) Ébano (ebony): quando não usado em pianos, é um ótimo material para escalas. É uma madeira extremamente forte, brilhante e durável. O ébano do Gabão, vindo somente desta província na África, é o preferido, por sua cor pura e profundamente negra. O ébano Macassar é, porém, o mais utilizado, por ser muito mais barato – mas possui veios na cor marrom. Por isso, é frequentemente “tingido” para se passar pelo outro...

VIII.) Nogueira (walnut): a nogueira é uma ótima alternativa para o mogno. É forte, tem timbre morno e é naturalmente bonita. Funciona bem em corpo de guitarras sólidas, e fundo e lateral de acústicas. Se cortado apropriadamente (perpendicular ao crescimento anual da árvore ou uma fatia abaixo do centro do tronco), é estável o bastante para ser utilizada até em construção de braços.

IX.) Cedro (cedar): o cedro é uma das poucas alternativas para substituir espruce na confecção de tampos planos em violões. Tem brilho, leveza, e a cor vermelho profundo adiciona um “look” diferenciado ao instrumento – além do quê, você nunca mais terá traças na sua case...

X.) Madeiras “alternativas”: as “madeiras alternativas” mais comuns são “purple heart”, pau-ferro, “wenge” e “bubinka”, que vem encontrando seu lugar na construção de instrumentos de corpo sólido. Estranhamente, elas tem sido usadas com maior frequência por fabricantes de baixos (que são muito mais aventureiros do que os tradicionais conterrâneos guitarreiros). Basicamente, estas madeiras são marcadas por sua força, densidade, e por sua especial utilidade quando multiplamente laminadas (combinadas) em construções do tipo neck-trough-body (braço inteiriço ao corpo). O resultado é um instrumento com incrível sustain e estabilidade. Tanto é que elas vêm ganhando espaço até em alguns modelos de fabricantes conceituados.
Além das madeiras acima, existem milhares de outros tipos que são ou foram experimentadas com qualidades e defeitos na construção de instrumentos, já que constantes experiências vêm sendo feitas neste sentido por um motivo óbvio: o suprimento de madeira mundial está cada vez mais limitado, e o uso das madeiras tradicionais, de características já conhecidas e testadas através dos anos, tem em contrapartida o elevado preço final do instrumento de qualidade.

Publicado no site “A Casa das Cifras” (http://www.casa.cifras.nom.br), em 05/11/1.999.

Citação

2009-03-24T18:53:00.001-07:00

"Ritmicamente meus solos são influenciados pela palavra; harmonicamente, são ou pentatônicos ou orientados para uma fusão de escalas. Há também o modo mixolídio, que eu uso muito... Mas me interesso mais pelo aspeto melódico. Acho que o maior desafio quando se vai tocar um solo é tentar inventar uma melodia na hora."

Frank Zappa

Textos de Teoria Musical

2009-03-24T18:50:00.000-07:00

ARTIGO 9
EVITANDO G.A.S. (parte II)

10.1.) Comprando seu equipamento

Quando Brett Ratner (veja mini-bio no artigo “8.) Evitando G.A.S”) cita esta história, é raro não percebermos em nós mesmos este tipo de defeito. Ele conta que recebeu uma carta de um leitor descrevendo uma noitada na Beale Street, USA, no badalado BB King's blues club. No palco estavam músicos, espremidos por toneladas de parafernálias eletrônicas, um coral completo, guitarras top-de-linha e – pasmem – até um gongo. Embora tocassem de maneira limpa, após 4 ou 5 músicas este leitor e seus amigos se encheram e foram buscar diversão em outro lugar, tal a monotonia da apresentação. Logo ao saírem, duas quadras a frente, encontraram uma pequena multidão defronte ao W.C. handy Park, de onde vinha uma música. Entrando no meio da massa, viram que se tratava de alguns negros entre 60-70 anos de idade, com alguns instrumentos daqueles baratos & desconhecidos, inclusive num estado muito ruim, plugados em amplis simples, (alguns fios e conexões deixavam as fitas à mostra...) e havia silver-tape remendando algumas peles na batera. Na verdade, o som dos instrumentos, em si, não prestava – mas isso realmente NÃO IMPORTAVA!!!! Os caras tinham um “groove” no qual você não acreditava, e a multidão se agitava a cada nova música. O leitor e seus amigos ficaram ali, até a madrugada, e foram embora junto com a massa, quando os caras resolveram parar.
A moral desta história é que a maioria dos guitarristas fica numa busca insaciável do timbre perfeito, algo como “som Stevie Ray” ou “som Hendrix” ou “som EVH”, que ele tem certeza que será a ponte entre a mediocridade musical e o pódium de guitar-hero – esquecendo-se, é claro, de estudar e praticar (isto é secundário, não é?...).
Que fique bem claro: não estou dizendo que você deve comprar seu instrumento nas Casas Bahia só porque eu disse acima que realmente não importava... mas a partir do momento que você tem à suas mãos um equipamento relativamente profissional, grande parte da responsabilidade pelo seu som está nos seus próprios dedos.
Brett relata ainda um outro exemplo. Mesmo utilizando um setup de guitarra/amplificação idêntico ao de um grande guitar player, quando é você que está tocando, o som obtido não é o daquele instrumentista, e sim, o seu próprio. Você acha que subindo ao palco, no meio de um show do Clapton, por exemplo, e largando uma escala de blues na mesma guitarra e ampli que ele estiver usando você soará como Clapton? Brettner tirou a dúvida escutando uma demo tape dele próprio, datada de 4 anos atrás. Seu equipamento atual é uma Gibson Les Paul/Dyna Comp/Tube Screamer/ 1965 Fender Deluxe Reverb (com o canal Marshall no modo “normal”). Na fita, ele usava uma Ibanez plugada num Galien Krueger 250ML. Adivinhem... Ele soava extamente igual naquela época como hoje – exceto por um pouco mais de sutileza e “finesse” adquiridos nestes 4 últimos anos. Grande descoberta: Brett toca exatamente como Brett!!!
Entretanto, a melhor maneira de descobrir seu timbre é voltando-se para sua alma. O equipamento perfeito é aquele que permite transparecer o seu toque, o seu timbre próprio, que permita sua alma falar através dele – pense numa coisa: um grande microfone somente amplifica, mas não colore nem melhora o timbre de uma voz.
Um bom músico NUNCA vai soar como “eca” tocando qualquer que seja o instrumento. Mas da mesma forma que uma Guitarra PRS de US$ 4.000 não vai transformar você num rock-star, um instrumento de péssima qualidade vai diminuir – e muito – a sua performance. Vamos, então, vacinar-nos contra GAS e reconhecer a diferença entre extravagância e investimento.

9.1.1.) Guitarra:

Para valer o investimento, primeiramente a guitarra deve ter boa entonação. Como já vimos antes (em Conhecendo o Instrumento), isto significa que ao longo do comprimento do braço, as notas tem o tom correto, sem desafinações em certas partes. Uma guitarra com entonação ruim simplesmente soa ruim, sendo horrível até para iniciantes e amadores, pois atrapalha o treinamento do que seria um instrumento “afinado” – em outras palavras, é possível que o uso prolongado de um instrumento mau entonado acostume o seu ouvido a uma afinação errada – além de espantar qualquer possível audiência...
Além disso, uma boa guitarra deve oferecer ajuste pleno na ponte e através de tensor. Isto permite que com um investimento baixo você possa submeter o instrumento a um Luthier, modificando consideravelmente sua qualidade e tocabilidade.
Note também: trastes de material ruim, gastos, mal fixados ou irregulares (deite a guitarra e, colocando-a à altura de seus olhos, observe o braço como se fosse um trilho de trem: observe se os trastes são paralelos e têm a mesma altura) proporcionam uma entonação ruim e trastejamento – vale a pena pagar para ajustar este tipo de problema.
No tocante à afinação, a guitarra deve manter a afinação. Nada é mais chato do que assistir à uma apresentação onde o guitarrista tem que afinar o instrumento a cada música – além do que, normalmente ao final da música, a desafinação acaba com seu som. Problemas de desafinação constante provém normalmente de 2 fatores: pestana ou tarrachas.
Se a pestana for de plástico ou osso, pague para um técnico ajustar os cortes na medida correta. Lubrificá-la é outra alternativa. Trocar por uma de grafite ou circular podem ser alternativas – consulte um luthier.
Tarrachas de boa qualidade também não são caras, e a troca é muito simples, se feita por um profissional. Kits da Grover, Sperzel ou até Gotoh (que contam com sistema de “lock”) são ótimas opções.
Os pick-ups (captadores) não devem chiar demais. Caps baratos normalmente chiam demasiadamente – além de terem timbre pobre e fraco. Não devem proporcionar microfonia em excesso – especialmente quando ligados a equipamentos de distorção. Isto ocorre porque os fios do enrolamento das bobinas vibram uns contra os outros – típico de caps baratos, que tem blindagem inapropriada. Você tem 2 possibilidades: uma delas é mergulhar os caps em parafina derretida, o que diminui a vibração – mas não corrige o timbre; a outra, é investir um bocado e instalar pick-ups de boa qualidade.
Se a segunda opção é a sua, lembre-se: o valor do investimento em pick-ups de boa qualidade – como Fender, Gibson, PRS, DiMarzio, Seymour/Duncan (visite os sites destes fabricantes e confira – em inglês – as características de cada um) é altíssimo. Considere ao comprar uma guitarra se valerá a pena fazer a alteração – recomendada somente se a guitarra for realmente boa, ou se ao vendê-la, você recolocar os antigos caps e guardar os de boa qualidade para sua próxima aquisição.
Verifique também os controles: se ao girá-los você ouvir ruídos ou eles não modificarem o som da guitarra ao serem girados, é melhor trocá-los. O investimento é barato e vale muito a pena. Normalmente, os problemas são causados por potenciômetros velhos e/ou zenabrados.
O jack de saída deve proporcionar um encaixe perfeito com o plug do cabo – o conserto deste problema também é barato.
Sabendo destes detalhes básicos, vamos partir para o estilo. É muito difícil comprar o primeiro instrumento, porque não sabemos como estaremos tocando em um ou dois anos. E mesmo para o amador que já toca razoavelmente, definir o estilo as vezes é um problema. Músicos experientes afirmam que um setup básico para novatos, intermediários e experts pode ser o mesmo – independentemente de estilo.
O que tentamos aqui é fazer entender que para iniciar em guitarra o custo não é caríssimo, mas também não é barato. É impossível recomendar “compre porcaria, você só está começando...” porque o som vai desanimar, a tocabilidade do instrumento vai dificultar e, na troca por outro, o valor de venda será irrisório – o que levará a um investimento secundário muito grande (GAS!!!!!!!). Pense em quanto custa um piano – uma guitarra e um ampli são bem mais em conta... mas US$ 500 pode ser um ponto médio para começarmos.
Uma outra referência: o que o virtuoso em jazz Mike Stern, o country Vince Gill, o deus do rock Keith Richards, o blues-man Albert Collins e o trovador moderno Jakob Dylan tem em comum? Todos tocam numa Fender Telecaster! A primeira guitarra de corpo sólido do mundo ainda é tida por muitos como a melhor. Com todas as lojas existentes hoje em dia, com a própria fábrica produzindo uma 2.ª linha mais em conta, com todo o comércio de usadas que existe atualmente, com todas as cópias de ótima qualidade... é impossível encontrar uma opção de guitarra profissional com um custo menor. Vejamos porque:
Ponte fixa: para o iniciante, ela é mais fácil de afinar; para o profissional, se uma corda quebrar durante o percurso, você pode continuar tocando... Além disso, a ponte fixa proporciona um sustain natural muito maior que as pontes flutuantes.
Bolt-on-neck (braço aparafusado): para o músico iniciante, que não aprendeu a diferença entre a guitarra e uma espada samurai, este tipo de construção é, em caso de quebra, o mais fácil e mais barato para arrumar. Para o profissional que PRECISA atuar em palco utilizando a guita como uma espada samurai, a mesma observação é válida.
Versatilidade: Fora da case, não existe nada mais camaleonino que uma Tele: country, blues ou rock'n'roll. Quer tocar jazz? instale um humbucking no braço. Quer tocar heavy rock? Instale um humbucking na ponte. Acha que uma Tele não tem som pesado? Dê um tempo... a lenda conta que a maioria dos riffs estoura-tímpano de Jimmy Page – Led Zep foram tocados numa Tele.
Sempre na moda: as Tele nunca saem de moda – seu design limpo é “cool” e meio diferenciado, ao contrário das Strato, que parece todos terem uma (inclusive Brett e eu mesmo...). Você será lembrado por seu visual diferente.
Ascessibilidade: modelos usados podem ser encontrados entre US$ 200 – US$ 500 (comprar via Internet, para nós, aqui no Brasil, é inviável: o frete sai em torno de US$ 275 – para qualquer guitarra – além dos impostos). As novas saem por algo em torno de US$ 650. As cópias para se ficar de olho são as da própria fábrica, Fender Squier, e as produzidas por ESP, Hammer, G&L, Fernandes, Schecter e Samick. Algumas, inclusive, oferecem mais recursos e/ou peças de melhor qualidade que as originais, custando menos por não ostentarem o logo Fender. Mas cuidado com cópias baratas. Elas utilizam madeira ruim, construção e acabamento pobres, além de hardware e elétrica de péssima qualidade.
Analisando tudo o que vimos acima, você pode começar a modificar alguns ítens. Por exemplo, se você prefere outro design ou acessórios, é uma questão de gosto.
Eu vou dar um exemplo: sou apaixonado pelas PRS de Carlos Santana ou pelas Ibanez de Joe Satriani – cópias são caríssimas e difíceis de encontrar, e as verdadeiras... bem, sou um mero mortal! Gostoso mesmo é ouvir elogios feitos à minha guitarra, uma Vantage VIE-216, ano 1997, produzida pela Samick na Coréia – outro dia, com um amigos, deixei o proprietário de uma Gibson LP Studio com vergonha ao plugar minha “vermelhinha” – modéstia à parte, ela “papou” a Gibson com méritos. Se trata de uma Strato inspirada nas Jackson (sem escudo e com headstock angulado). Custou US$ 200, nova em folha. O visual é bonito – parece realmente uma Jackson. Quando pluguei a guitarra na loja, o vendedor me perguntou: “gostou do som?” e eu respondi “é uma droga...vou levar!”. Ele ficou meio abestalhado. Outro dia, voltei à mesma loja para comprar um distortion-box. Quando pluguei a guitarra, o mesmo vendedor não acreditou novamente – “é a mesma guitarra?” – e era. Vou explicar...
Quando fui comprá-la, verifiquei construção, junção de braço/corpo, instalação de hardware, tarrachas, madeira utilizada, isolamento da elétrica, material da escala, posicionamento de trastes, entonação. Brilho e sustain, com a guitarra desligada. Barulhos e chiados na elétrica, com o instrumento plugado. Prós e contras, valia a pena.
Saí da loja e deixei a bichinha em meu Luthier – ele concordou comigo em tudo. A guitarra tem corpo construído tipo laminado; segundo a fábrica, uma “capa” de ash sobre corpo em mahogany – o que porporciona pouco peso e um som mais brilhante que o mahogany usado sozinho. O braço é em ash, com escala em rosewood tingido (visual falso, mas de efeito visual bonito e propriedades confiáveis), equipado com tensor simples. Trastes de alpaca medium-jumbo (um tesão para dar bends), colocados com perfeição (algumas rebarbas nas bordas – que foram limadas e corrigidas – e um deles foi levemente levantado), tarraxas moles demais (substituidas por um jogo Gotoh – US$ 28), ponte móvel tipo Strato vintage KKT (em metal preto, bonitas e confiáveis – a instalação original vem com as 5 molas – com 3 funciona de maneira mais sutil e confortável). As cordas originais estavam semi-oxidadas, e eram 0.13. Troquei-as por GHS Super-Boomer 0.09 (como as Ibanez, de fábrica). A ação foi abaixada, entonação verificada. A pestana plástica foi trocada por uma de grafite (e lubrificada).
Desligada, a guitarra já era outra – tocabilidade e sonoridade mudaram da água para o vinho. Mas ligada continuava um desastre – muito chiado e nenhuma personalidade. Aí vem a parte boa. A guitarra tinha 3 potenciômetros: 1 de volume geral, 1 de timbre para o single do braço e do meio, e 1 de timbre para o HB da ponte. Os controles de timbre tinham funcionamento duvidoso e inútil. Os pick-ups eram de baixa qualidade – 2 singles de timbre fraco e magro, e um HB que gritava esganiçado sem distorção e apitava, literalmente, ligado a um dirty-box – tudo era coreano.
Solução: os potenciômetros, embora a guitarra fosse nova, estavam oxidados – trocá-los custou uma ninharia (R$ 15,00 por dois). Aliás, só comprei dois porque meu luthier sugeriu um volume master e um timbre master, somente. Tudo bem, mas e o buraco do outro botão? Utilizamos esse buraco com muita sabedoria para instalar uma mini-chave de defasagem para o HB, podendo usá-lo como single. Já que a guitarra contava com uma chave 5 posições tipo Strato, ganhamos mais 2 timbres. Vejam as possibilidades: braço; braço/meio; meio; meio/HB ponte; meio/single ponte; ponte single; ponte HB. Uma guitarra, 7 timbres – ou melhor, 7 possibilidades de timbre, porque com os pick-ups originais o timbre era um só em qualquer posição da chave: PÉSSIMO.
Os pick-ups que escolhi são uma mistura maluca para alguns, mas como não toco um só estilo musical, preferi fazer uma “salada de frutas”, pois meu objetivo era montar uma guitarra que me proporcionasse a maior variedade sonora possivel, com muita qualidade.
No lugar do HB da ponte, foi instalado um DiMarzio Tone Zone (similar ao Fred, mas com maior gama de médios e melhor feedback) – este pick-up foi defasado (através da chave que citei acima). Assim, posso usá-lo como HB ou como single, sem perder a qualidade DiMarzio (Ace Freley concorda comigo...). Preço: US$ 150.
No meio, arrematei por uma bagatela um single original das Ibanez RG570 – o S1 – fabricado pela própria Ibanez, é utilizado pela fábrica nesta mesma posição; é competente na transmissão de médios – e uma ótima opção para ser usado conjugado com os pick-ups da ponte e do braço. Preço-usado: US$20 (um achado!).
No braço, para curtir um som bem “blueseiro”, fui ao exagero de encomendar um Fender Gold Lace Sensor, o mesmo usado nas Fender Strato signature de Clapton e Beck. O som é maravilhoso, e o preço, rasoável. US$ 120.
O resultado final: como eu disse acima, um instrumento que fala ao ser plugado. Quer calcular o preço final comigo? US$ 525,50 + mão-de-obra do luthier = US$ 600,00. Você consegue comprar uma guitarra nova, de qualidade profissional e com possibilidades de tocar blues, pop, rock, metal, funk, punk.... tudo somente mudando uma chavinha?
O que tentei mostrar é que na maioria das vezes não vale a pena gastar US$ 750 numa Gibson, levar para casa e descobrir que o que você queria era um timbre mais gordo e doce, ou arrematar uma Fender por US$ 600 (eu estou citando as mais baratas das duas fábricas...) e querer se enforcar ao ligá-la overdrive e não conseguir aquele timbre gritador.
Aprenda a analisar o instrumento antes de comprá-lo: madeira, hardware (metais), elétrica, construção, acabamento, entonação, sonoridade (desligada e ligada). Se algo não agradar, pense se o negócio realmente vale a pena, mesmo com os custos da resolução destes problemas. No final das contas, com alguma atenção (e um pouco de sorte) você será capaz de encontrar o seu “verdadeiro amor”.

9.1.2.) Cabos

Não tente economizar em cabos. Cabos de baixa qualidade roubam o sinal da guitarra (principalmente as frequências altas). Além disso, os cabos mais baratos são mal soldados e não possuem blindagem, o que os torna fracos e propensos a ruídos. Prefira os cabos com blindagem nos plugs. Molas na saída dos plugs também são muito úteis, para evitar a quebra dos fios. Cabos com revestimento de nylon, tipo corda, são os mais resistentes, além de serem coloridos e facilmente diferenciados (porque a maioria dos baratos são de borracha preta) – na hora de sair do palco, você cata o seu e deixa o resto da banda desembaraçando aquele monte de cabo preto todo emaranhado...

9.1.3.) Cordas

Mesmo se você for POBRE, você ainda poderá ter acesso às melhores cordas do mundo por ninharia. Um jogo de cordas importado profissional, o mesmo utilizado por seu “guitar hero”, não custa mais do que US$ 8,00. Cordas novas tem melhor entonação e soam muito mais brilhantes. Investir num líquido de limpeza de cordas (geralmente antioxidantes) maximizará ainda mais o tempo de vida de suas cordas (experimente o Fast Fret, da GHS - passar com um pano sempre que terminar de tocar). De qualquer forma, trocar as cordas uma vez por mês não vai te matar – mais ainda levando-se em consideração as altas taxas de umidade relativa do ar em nosso país (Brasil), o que acelera o processo de oxidação. Ah! Esqueça aquele papo de que corda nova não mantém afinação – isto é pura lenda – cordas de qualidade afinam na 2.ª conferida e não desafinam mais.

9.1.4.) Palhetas

Elas são a maneira mais barata de mudar seu timbre – principalmente em violões. Pelo preço que custam, você pode descarregar sua GAS comprando palhetas... Você ficará surpreso com a diferença obtida com diferentes tamanhos e texturas. Fique atento somente ao tipo de material: evite as que escorregam em excesso.

9.1.5.) Pedais

A útlima cruzada nestes artigos sobre GAS é, onde mais se encontram casos desta “doença” – talvez pela infinidade que o mercado ofereça, talvez pelo preço (já que é mais fácil trocar de pedal a cada 3 meses do que trocar a guitarra ou o ampli...). Brett Ratner define pedais como “hospedeiros” de GAS: eles são baratos, divertidos, duráveis, fáceis de usar, atrativos e ...coloridos! (e somos todos eternas crianças, não?).
Além disso, é simples mudar o estilo de música sem trocar a guitarra – use pedais!

Country: compressor --> volume --> delay
Blues: overdrive
Jazz: chorus
Rock classic '60: wah --> fuzz
Funk '70: wah --> phaser/flanger
Rock '80: compression --> distortion --> chorus
Trash: wah --> heavy distortion
Grunge: qualquer pedal de distorção “flatulenta”...

Essas regras básicas não precisam ser seguidas à risca; são somente sugestões baseadas em várias experiências de vários grandes músicos – e os representantes de cada gênero foram seguidos e copiados, utilizando os efeitos desta maneira.
Algumas regras existem no uso de pedais, mesmo os mais comuns, quando utilizados em conjunto. A ordem em que são ligados e o tipo de alimentação utilizado modifica demais o timbre final.
Compression sempre soa melhor antes de qualquer Distortion.
Pedais de Volume devem ser colocados sempre após Distortion, porque este último normalmente modifica o volume do sinal (que será corrigido facilmente com o Pedal colocado em seguida). Da mesma forma, o Volume nunca pode ficar depois de Delay ou Reverb, porque cortará o efeito de eco ou reverberação quando o volume for abaixado.
Um Chorus Estéreo pode ir por último, possibilitando a saída do sinal para dois amplis.
Wha-wha deve vir antes do Distortion.
Qualquer outro efeito, como Pitch Shifter, Vibrato, Flanger, Phaser... deverão vir sempre após a Distorção.
Um bom guia para eu não encher muito com isto é o “Boss Guitar Effects Guide Book”, disponível em seu store favorito (se você comprar um pedal Boss...) – ele contém dicas da fábrica sobre cada setup, especificando a pedaleira ideal para cada estilo e dando os porquês.
A fonte utilizada em cada pedal também é muito importante. Correntes ou voltagens erradas modificam o efeito conseguido, prejudicando o funcionamento do pedal. (Frusciante adora colocar baterias fracas em seu Boss Fuzz – o som fica mais “gordo”, segundo ele. O problema é a bateria acabar no meio da música...). Utilize sempre a fonte recomendada pelo fabricante. Se todos os seus pedais utilizarem corrente semelhante, procure nas music store fontes para alimentar diversos pedais simultâneamente. Elas evitam o problema da fiarada (principalmente se você usa 2 ou mais pedais...).
Inventar um case para os pedais também é uma boa – facilita a locomoção e instalação em palco, além de proporcionar segurança no transporte. Se você só usa pedais Boss, uma boa é a BCB-6 – só que ela só acomoda pedais da marca. Algumas music store no Brasil já aderiram à moda do Pedal-Bag: é uma bolsa igual as de guitarra, em formato retangular, com ziper. O fundo é de velcro, e ela vem com velcro adesivo para instalar no fundo dos pedais. Aí é só grudar tudo no fundo da Bag, deixar tudo ligadinho e pronto! Usou, fechou. Cases de plástico e alumínio também são disponíveis, com alguns encaixes reguláveis, mas são mais difíceis de encontrar – e bem mais caras. Amigos meus já partiram para o lado feito-por-mim e, com algumas caixas de maçã ou uva, um serrote, pregos e um spray preto, construíram cases de dar inveja à lendas de pedal-cases feitos de Tupperware...
Seguindo-se a teoria de que cabos e pedais diminuem o sinal gradativamente, outro compromisso ao usar-se pedais é limitar o seu número. O limite é algo em torno de 6-8 pedais, desde que sejam escolhidos pedais de by-pass real (ou seja, o sinal, quando o pedal está em off deve entrar e sair sem perda de força). Outro ítem importante é utilizar cabos de qualidade entre os pedais também.
Ao comprar um pedal, pergunte-se: eu poderia tocar com minha banda sem este pedal? Por exemplo, The Edge conseguiria tocar os antigos sons do U2 sem seu Delay? Somente assim compre o seu efeito. Outro fator inspirador é a capacidade de o efeito escutado instigar sua alma à composição ou à criação de um estilo. Às vezes, algo que você nunca escutou é muito legal ao seu ouvido, e pode ser trabalhado positivamente. De outra forma, o novo pedal somente vai fazer volume na sua case.
Finalmente, vamos exemplificar um diagrama de uma pedaleira profissional. Este esquema funcionará bem com 2 amplis simultaneamente (um tipo Fender e um tipo Marshall) ou somente um tipo Fender (utilizando 2 canais: o “normal”e o “vibrato”).
Guitarra  Wah  Channel Shifter. Isto permite três caminhos de sinal: o primeiro segue para um afinador (= tuner; afinadores matam o sinal – sempre deixe-os fora do caminho), o que deixa a guitarra muda, servindo para uma afinação em palco.
O segundo caminho é o timbre “limpo”. O sinal passa por: Compressor  Chorus  Flange/Phaser  Delay. Este sinal vai para o ampli Fender ou para o canal “vibrato” (onde pode ser adicionado reverb).
O terceiro caminho é o timbre “sujo”. O sinal passa por: Dirty Boxes (Distortion, Fuzz, Overdrive)  Booster  EQ  Pitch Shifter  Short Delay. Este sinal vai para o ampli Marshall ou para o canal normal de seu ampli.
Um pedal de volume estéreo pode ser colocado antes da distribuição para os amplis, o que vai auxiliar – e muito – o controle de Volume dos dois canais (atenção para colocá-lo ANTES de Delays e Reverbs...) Confira tudo no esquema abaixo:

Tudo o que vimos é pura exemplificação; não se esqueça de que o mais importante é que o som seja transparente, deixando que o que é produzido em sua alma passe pelo equipamento e chegue aos ouvidos da audiência da maneira que você imaginou.
Boa Sorte!

Publicado no site “A Casa das Cifras” (http://www.casa.cifras.nom.br), em 29/11/1.999

Citação

2009-03-24T18:48:00.001-07:00

"Ver Jimi Hendrix tocar foi a maior experiência psicodélica que eu tive. Quando ele começou a tocar alguma coisa mudou. As cores mudaram. Tudo mudou."

Pete Towshend

Textos de Teoria Musical

2009-03-24T18:46:00.001-07:00

Vou largar a teoria um pouco de lado (afinal temos batalhado de montão pontos básicos da coisa nos últimos dois meses...) para abordar alguns aspectos tecnológicos de instrumentos. Os artigos que vem a seguir são adaptações de Brett Ratner, colunista das revistas “Guitar Player” norte-americana, da “Musician”, “Electronic Musician” e da “Music & Computers”. Os artigos foram publicados na WEB através do site “www.harmonycentral.com”, no início de 1998, e foram aclamados por milhares de web-guitar-players. Atualmente, Brett toca com sua banda, “Katoorah Jayne” em sua cidade, Nashville, EUA. (ratocaster@harmony-central.com)

CAPÍTULO 8
EVITANDO G.A.S. (parte I)

G.A.S. (Gear Acquisition Syndrome) é a sigla norte-americana para uma das “doenças” mais graves que atingem o mundo guitarrístico moderno (mas não exclusivamente...): a “Síndrome da Compra de Equipamento”.
Uma definição simplificada para GAS seria a busca eterna e/ou a compra irracional e obscessiva por equipamentos musicais. GAS não é a mesma coisa que colecionar instrumentos – na verdade, muitas pessoas acreditam que colecionar instrumentos e equipamentos musicais é, muito além de um prazer, um ótimo investimento financeiro (se você tiver o significado monetário em pauta quando estiver colecionando).
Você detecta a presença de GAS quando a necessidade compulsiva de “envenenar o equipamento” se sobressai ao desejo de crescer como músico, compor, gravar, (e se você aspira tocar profissionalmente) conquistar uma gravadora.
Outro sintoma independente de GAS é a tendência de impulsivamente negociar um ótimo ítem de equipamento que lhe pertence na troca por um outro, objeto de seu insaciável desejo (geralmente pagando uma boa quantia em dinheiro) e arrepender-se da transação mais tarde...
O propósito deste artigo – evitando GAS – é passar adiante conhecimentos que Brett Ratner adquiriu como jornalista, aprendendo da maneira mais difícil (ele confessa... sofria demais com sua GAS!!!). Seu intento é eliminar o sistema de “tentativa e erro”, economizando o seu dinheiro e paciência, ajudando a fazer negócios duradouros e com sabedoria (na primeira tentativa...). Ao final, você ficará com equipamento que o faça feliz e proporcione um ótimo som – e não um monte de quinquilharias inúteis que você vá vender em 6 meses.
Outro benefício da compra educada é que você vai ter fundamentos para criar o seu próprio “setup” – isto é, sabendo como formar o básico e conhecendo alternativas, você poderá “incrementar” seu equipamento por diversão, e não pela necessidade urgente de chegar a um timbre platônico que nem mesmo você sabe qual é.
Quando se aprende a escolher uma única guitarra e um único amplificador que seja do seu gosto, você não NECESSITARÁ comprar mais nada. Aí sim, você PODERÁ sair colecionando pedais, porque você QUER, e não por PRECISAR. Da mesma maneira, você pode determinar um “set” (conjunto) de amplificador e pedais básicos, e ter, POR OPÇÃO, 2 ou 3 guitarras de timbres completamente diferentes que satisfaçam seu gosto e variação musical. O crucial é que quanto mais rápido você reconhecer O QUÊ funciona bem com O QUÊ, mais rápido você vai se tornar um músico melhor – afinal, um bom equipamento ajuda, e muito.

8.1.) Setup com Amplificador Clássico

Este setup é o mais comum, pelo menos nas raízes do blues e rock alternativo: o clássico (guitarra – pedais – ampli estilo “vintage”). Para muitos, vantagens como transporte, facilidade de manuseio e custo relativamente baixo fazem desta escolha a mais eficaz para ensaios e apresentações em pequenos clubes. Outra vantagem é que pedais externos são relativamente baratos, e se você tiver problemas com seu ampli, ao conectá-los à outro diferente (ou até mesmo diretamente à mesa) você conseguirá um som relativamente parecido – e o show continua. Em comparação, se o seu ampli de multi-canais pifa ou seu pré-amp rack vai pro espaço, você foi junto...
Para aqueles que estão pensando em comprar sua primeira guitarra (ou para aqueles que acreditam que compraram uma um dia, mas que tem certeza de que ela não soa como uma), uma dica fundamental: a qualidade de um “set” de equipamentos depende de como todos eles funcionam JUNTOS.
Nenhum ampli soa bem com qualquer guitarra. Nenhum pedal de distorção trabalha perfeitamente em qualquer situação. Não existe uma guitarra que satisfaça o estilo de qualquer guitarrista. Baseado nisto, lembre-se das suas aulas do ginásio. Aqueles experiementos de ciências, em que haviam “grupos de controle” para comparar um resultado a outro. Pense desta forma quando for comprar um equipamento.
Em outras palavras, como você pode comparar amplis se você não ouvi-los todos com a mesma guitarra? E quando testar guitarras, teste-as sempre em um mesmo ampli (marca, modelo, wattagem). e você já tiver determinado guitarra e ampli, leve-os ao music-shop (ou leve a guitarra e utilize um ampli semelhante) quando estiver atrás da distorção ideal.
É crucial decidir um componente por vez – ao contrário daquela história “que legal vou ganhar tudo da minha mãe no aniversário...”, entra-se numa music-shop, encanta-se com isso e aquilo, e aí ... GAS!!!
Para muitos, prestar atenção ao seu “guitar-hero” é um ótimo começo. Se você adora o timbre de Steve Ray, seu ouvido pede uma Strato – é óbvio. Se você é fã de Ace Frelley, corra atrás de uma Les Paul. Se Beatles é seu objetivo, uma Rickenbacker será seu destino. Somente após encontrar a guitarra dos seus sonhos, parta para o restante.
De outra maneira, se você é o tipo de cara que se imagina num palco tendo ao fundo a aura poderosa e o visual arrasador de um Marshall estático admirando sua performance, compre este ampli... mas DEPOIS vá encontrar a guitarra que lhe proporcione o timbre desejado, SEMPRE testando-a em seu Marshall antes de comprá-la.
Em qualquer caso, a melhor maneira de evitar o velho “tentativa e erro” é ir direto ao seu objeto de desejo, ou seja, o equipamento que proporcione a você o som/visual/imagem/feeling/vibração que lhe satisfaça. Depois de encontrada esta primeira peça, vá montando seu “set” como um quebra-cabeças, peça por peça.
Voltando aos amplis. Existem 3 tipos clássicos de amplis “vintage”: estilo Marshall, estilo Fender e estilo Vox. Enciclopédias foram escritas para justificar porque se classificaram os amplis “vintage” nestes tres grupos, e não será aqui que discutiremos isto. Entretanto, o que nos interessa no momento é que o que os torna “vintage style”: é a falta de um volume master ou uma seção de pré-amplificadores em cascata para gerar distorção. Isto significa que para gerar distorção/overdrive, você tem que literalmente “arregaçar” o volume até o talo, ou usar a maneira mais simples – e lógica: deixar o ampli “clean” e usar um pedal antes dele.
Uma das vantagens de se usar este esquema pedal/ampli vintage é a existência de um só volume para se preocupar. Em um ampli de canais múltiplos, você tem que regular separadamente os canais “limpo” e “sujo” do ampli, geralmente não tão simples de se fazer sobre o palco. Usando-se o sistema de “rack”, na maioria das vezes, você terá pelo menos uma dúzia de “patches” para se embananar... Com o pedal/ampli vintage, é só ajustar o volume do pedal de maneira que o som “by pass” (sem ele) tenha volume correspondente ao som sujo. Depois disso, esqueça os problemas e ajuste o volume do ampli conforme sua necessidade – ensaiando, passando o som ou na hora “H”.
Combinações clássicas de equipamentos existem, é claro. Seriam algumas delas: guitarras Gibson em amplis Marshall, Fender em Fender, Rickenbacker em Vox. Existem justificativas – e exceções para elas.
As Gibson, por exemplo, soam estridentes através de um Fender. Já as Fender soam um tanto quanto abafadas em um Marshall. Por outro lado, todo mundo que já ouviu Beatles sabe como uma Rickenbacker soa em um Vox... Mas isto é só um ponto de partida – Hendrix fazia sua Strato gritar em um Marshal “Plexi” e Ted Nugent criou seu timbre legendário plugando sua Gibson Byrdland em um Fender Bassman. Santana tem gravado seus útlimos discos mandando sua PRS em 3 – isto mesmo – 3 amplis diferentes: um Fender, um Marshall e um cubo Mesa-Boogey.
Estas são somente dicas – você pode não ter uma Gibson e nem dinheiro para comprar um Marshall. Mas se você for a uma music-shop e plugar esta combinação, sentirá o timbre; gostando, procure a sua combinação equivalente. Vale buscar alternativas (algumas caras, outras não): Roland, Peavey, Laney, Crate.
Finalmente, o maior trunfo desta combinação é quando existe a necessidade de se tocar uma variedade infinita de estilos diferentes. Suponha que sua banda country lhe deu um pé na bunda... Mas seus amigos tem uma banda heavy-metal e o guitarrista foi servir a marinha por 2 longos anos. Guarde os seus pedais Compression, Delay e Volume e compre um bom Distortion – talvez um Wha e pronto! Seu “setup” é totalmente reaproveitável. Não passou no teste e pintou uma chance de tocar um jazz? Largue a sujeira em casa e ponha um bom Chorus box na frente de seu ampli. Notou a simplicidade de mudança de timbre? Além do que, com a montoeira de pedais usados à venda e/ou para troca na Internet, jornais e casa especializadas (fruto, é claro, de epidemias incontroláveis de GAS), esta mudança nem sempre é tão dolorosa.
Na hora de comprar um “dirt box” (= caixa de sujeira. he, he, he), considere que guitarras baseadas na elétrica de uma Strato tem uma curva EQ (equalização) em “V” – ligadas em um TS-9 Tube Screamer, por exemplo, gerará um som de boa qualidade, por que este pedal tem um médio muito pronunciado (a curva em “V” enfatiza picos de graves e agudos). Já uma guitarra de timbre Gibson, cheia de timbres médios, ligada no mesmo pedal vai gerar um som estridente. Para estas guitarras, seria melhor dirt boxes com EQ em “V”, como o Danelectro Fab Tone (notou um padrão aqui? Guita em “V”, box com médios; guita com médios, box em “V”). É muito bom também familizarizar-se com as diferenças tonais entre “distorção”, “overdrive” e “fuzz” – saia “caroçando” com sua guitarra embaixo do braço pelas music-shop e faça sua escolha.
Acho que ficou claro porque esta é a melhor configuração em simplicidade de uso, versatilidade e – é óbvio – preço. Além do que, você não precisa comprar tudo de uma só vez, podendo ir montando tudo aos poucos, sem precisar esperar até o fim para ir usufruindo do investimento. E é por isso tudo que esta é a configuração mais utilizada por músicos da noite e de pequenos shows em todo o mundo.

8.2.) Setup com Amplificador Estilo Moderno

Um amplificador de estilo moderno é aquele que apresenta distorção através de “pré- amplificadores em cascata”. Em outras palavras, a distorção é criada por múltiplos pré- amplificadores que sobrecarregam a seção final de pré-amplificação antes de enviar o sinal para as válvulas de potência. É esta a diferença entre eles e os amplificadores “vintage”, onde a distorção só pode ser obtida sobrecarregando o sistema final, geralmente necessitando de volumes às vezes inadequados ao local (como o seu quarto, por exemplo...)
A vantagem do sistema moderno é que você pode ter distorção líquida a níveis de volume rasoávies. E como as válvulas de potência permanecem “limpas”, você pode adicionar efeitos após o pré-ampli (no “loop” de efeitos) – como delay, chorus, etc... ao som distorcido natural do ampli.
Outros recursos são mudança de canal, saída para mesa com “simulação de alto-falante” e, é claro, muito mais espaço no local de trabalho, já que são compactados em tamanho bem menor que os antigos “vintage” (embora tenham o mesmo peso...)
Aí começam as desvantagens. Geralmente é muito complicado mixar os canais limpo e sujo sobre o palco – isto porque existem tipicamente controles separados de volume e EQ para cada canal. Outra é que, especialmente nas unidades mais caras, existem tantos controles, EQ, opções de tom e outros trecos que o ampli pode ter um som completamente horrível se você não souber exatamente o que está fazendo. Por sorte, algumas fábricas vêm publicando “exemplos de regulagens” em seus manuais, para se ter um ponto de partida. Se você for do tipo “plug and play”, esqueça... vai ter que ralar até sincronizar sua guita num ampli destes.
Este tipo de ampli leva, invariavelmente, a ataques repentinos de GAS... Isto porque, embora tecnologicamente muito bons, eles limitam o seu som a, praticamente, 3 timbres: o do canal limpo, o do canal sujo e, em alguns casos, um “boost” para os solos. Além disso, é a sua guitarra e sua técnica – que se não ajudarem, vão aumentar ainda mais o seu GAS.
Esta é a receita ideal para o disastre entre guitarristas. Você vai a uma loja, pluga numa destas belezas high-tech e... você fica completamente “tarado” por ele – principalmente quando o vendedor fica na sua orelha e lhe diz como seu som está legal nele... Aí você chega em casa, vende o seu ampli antigo por uma bagatela, corre para comprar o novo, volta eufórico para casa e quando pluga novamente nota que o som já não é tão extraordinariamente sensacional quanto na loja. Você fica arrependido, não satisfeito com a nova compra e em seis meses o ciclo começa todo novamente.
A verdade sobre esta situação é que ambos – o antigo e o novo – tem um ótimo som. Só que são sons diferentes. Mas quando você tem um timbre à sua disposição, e somente ele, parece ao seu ouvido que o do vizinho é sempre melhor... O remédio para isso é, pura e simplesmente, ter certeza ABSOLUTA de que você realmente AMA o som do ampli que você está comprando – é melhor gastar um pouco a mais do que o esperado, ou até mesmo esperar e juntar o faltante para adquirir o que você REALMENTE quer do que tentar um “upgrade” posteriormente. Após comprá-lo, tenha em mente que ele “faz parte” do seu timbre, tanto quanto... seus dedos.
Se for possível, antes de fechar o negócio, leve o ampli para casa, teste-o num ensaio ou apresentação, veja como se comporta sua guitarra e seu som junto com os outros instrumentos; peça opiniões aos seus colegas de banda e expectadores costumeiros. Compare com o som do seu antigo ampli.
Em segundo lugar, familiarize-se com o tipo de sons que podem ser extraídos dele. Verifique se o circuito foi fabricado para trabalhar com guitarras de características compatíveis com a sua. Por exemplo, se o ampli tem tendências a enfatizar sons cheios e solos “dark”, ele renderá melhor com guitarras semelhantes às Strato e Telecaster; se, por outro lado, o ampli tiver mais “mordida”, com médios aos montes, certamente casará com circuitos tipo Gibson. Alguns amplis tem canais diferentes, baseados em timbres clássicos, como Fender, Marshall, Mesa/Boogie, etc. Melhor ainda, outros tem, além dos canais acima, a opção de trabalhar com cada um limpo ou sujo – o que leva a uma opção melhor ainda: timbre Marshall sujo e timbre Fender limpo, por exemplo. Outras marcas como Bogner, Naylor, Tech 21, Laney, Peavey e Roland são escolhas igualmente satisfatórias (sejam eles valvulados ou solid-state).
Terceiro, procure sempre por algo que lhe satisfaça no palco e no estúdio. O loop de efeitos é compatível com unidades de efeito em nível de instrumento e/ou nível de linha? O pedal de controle pode controlar o loop de efeitos, assim como o “booster”, e talvez até o EQ? O ampli é ao mesmo tempo potente em alto volume e soa bem a níveis de ensaio? Será ele portátil o bastante?
Os critérios de construção também devem ser levados em consideração ao investir num ampli high-tech. Verifique cabinete, acabamento, e, principalmente, a parte eletrônica – prefira sempre um do tipo “equipamento militar” a um mais “delicadinho”. Seu investimento deve ser prolongado, não acha?
Finalmente, você deve sentir o caráter do ampli, ao mesmo tempo que o timbre de sua guitarra soe transparente através dele. Isto porque se você decidir entrar no caminho de um ampli moderno, você DEVE SABER que ficará restrito a uns 2 ou 3 timbres – e que a maneira de tornar isto um pouco menos monótono é ter pelo menos um par de guitarras para usar com ele.
Concluindo, se você consegue se considerar imune ao GAS, um setup baseado em um ampli high-tech vai lhe oferecer um timbre cheio, distorção de válvula e um “lead” vigoroso, tudo embalado num pacote potente, relativamente pequeno e versátil.

8.3.) Montando um sistema de Rack

Sistemas de rack são largamente recomendados como o setup primordial para o músico profissional, seja ele de palco ou estúdio.
No mundo das gravadoras, ter acesso a efeitos em estéreo e a escolha por uma gravação direta “on line” (ou os dois ao mesmo tempo) é uma coisa perfeitamente exigível pela maioria dos produtores. É também tão importante quanto isto a possibilidade de ter ao seu alcance o controle de algumas dúzias de “patches” (memórias) e atingir o seu timbre desejado sem atrazar o ritmo das sessões de gravação regulando pedais, botões e potênciômetros por horas...
Para o músico profissional em constante turnê, o próprio rack serve como “case”, pela sua resistência e compactação. Além de ter todos os componentes agrupados num só volume, prontos para você plugar sua guita e tocar, sem fiarada e conexões para todo lado, um par de caixas em estéreo lhe dão a possibilidade de espalhar melhor seu som sem apelar para o volume final. Ao final, adicionando um pedal controlador de MIDI acaba com a “dança do pezinho no pedal” de uma vez por todas.
Tudo ótimo, não? A desvantagem para o rack é mínima... O PREÇO! Logo, é de seu máximo interesse conhecer passo a passo como escolher o seu rack ideal na primeira vez – sem ataques de GAS.
Para iniciantes, vamos assumir que você escolheu sua guitarra ideal. A menos que você goste de fretar um caminhão cada vez que se apresentar para levar pedais e guitarras, a beleza do rack é que você pode se limitar a uma ou duas guitarras e ainda ssim ter uma variedade infinita de timbres. O importante é levar SUA guitarra à loja quando for montar o seu rack.
Muito importante, também, é ter em mente que o que você está comprando é um SISTEMA INTEGRADO – e uma corrente é tão forte quanto seu elo mais fraco... entenda e aplique isto. Deixar um ítem passar desapercebido vai com certeza atrapalhar o funcionamento de todos os componentes.
Os componentes básicos de um sistema de rack são, basicamente, quatro. O pré-amplificador, o amplificador de potência, caixas/alto-falantes e um processador de efeitos. Um pedal controlador de MIDI poderia ser tecnicamente considerado um quinto componente, caso você queira.
Um erro primário de muitos guitarristas é considerar o processador de feitos como peça principal sobre todas as outras. Mais além, muitos confundem o próprio conceito: rack é um processador de efeitos – NÃO É. Outros, ainda, eliminam o pré-ampli de sua lista e adquirem um destes processadores com pré embutidos. A opinião de Brett Ratner (e minha, e de muitos que já caíram nesta) é que a seção de pré dos processadores é uma porcaria (REALLY SUCKS...) – é necessário sabre que quando dois aparelhos eletrônicos de construção, carcterísticas efinalidades diferentes compartilham os mesmos componentes, um dos dois certamente sairá prejudicado.
Primeiro, esqueça os efeitos. Procure um pré-ampli “matador”, totalmente dedicado, que combinado com um amplificador e boas caixas lhe forneçam tudo que ele seja capaz de produzir. O único jeito de descobrir isto é pegar sua guita, por embaixo do braço e ATORMENTAR um pobre vendedor na music-shop...(escolha um com cara de bonzinho, e boa sorte – se ele começar a rosnar, tente a velha desculpa “eu sei que estou dando um pouco de trabalho, mas se eu gostar de algo, imagine só quanto poderei estar gastando aqui...”)
Quando o timbre e sons perfeitos forem encontrados, vamos conferir as possibilidades do seu possível pré-amplificador (de preferência, valvulado). Ele DEVE ter, pelo menos, três timbres: um limpo “branco-total-radiante”, um distorcido bem “crocante” e um “lead” expressivo. Se tiver algum mais, melhor ainda. Se não triver pelo menos os três, esqueça – tente outro. Depois de cumprida esta parte de timbres, controle MIDI, saídas XLR para gravação e um “loop” estéreo para conexão de efeitos – com controle de nível entrada/saída – são características obrigatórias. Se não estiverem presentes, esqueça...
O amplificador de potência (estéreo) deve ter presença, potência saudável e timbre cheio e forte. Alguns amplis têm volume mas parecem “fracos”. Usando o mesmo pré-ampli, você deve testar vários amplis até sentir o que deseja. Geralmente os totalmente valvulados soam melhor, mas existem alguns solid-state que arrasam – além disso, são mais baratos, mais potentes, mais leves e tem uma vantagem extra: soam como solid-state e tem simulação de valvulados – o que aumenta um pouco mais sua gama de timbre. Deixe que suas orelhas sejam os juízes...
Independentemente da sua escolha em falantes, escolha caixas construídas em compensado naval (evite aglomerados). Um set de 2 caixas acústicas geralmente soa melhor do que um de uma só caixa com ligação em estéreo – embora seja menos portátil. Uma solução é um set de duas caixas de 1x12”, uma com fundo fechado e uma aberta. Por útlimo, teste a maior quantidade de falantes possíveis – qualquer coisa semelhante aos Celestion “Vintage 30” é um bom ponto de partida.
Agora que você encontrou o seu som ideal, vamos atrás de um processador de efeitos. A grande maioria de processadores tem efeitos semelhantes e não encontrados em outros componentes do rack – além disso, sua escolha é mais uma questão de gosto. O que vamos sugerir é que você encontre uma unidade que lhe dê plena satisfação de efeitos – depois, verifique a existência ou não de pré-ampli embutido. Existem três opções: ESQUEÇA e parta para outro; verifique a possibilidade de utilizar o rack com ou sem o ampli ou, ainda, tente equalizar o EQ do pré de maneira a interferir o mínimo possível no timbre dos outros componentes – afinal, o processaador de efeitos só tem uma função em seu rack: produzir efeitos.
Quanto ao pedal controlador de MIDI, escolha a melhor opção para trabalhar com seu processador de efeitos – alguns processadores, inclusive, aceitam conexão de um pedal de expressão; escolha um que seja compatível.
E, é claro, escolha um rack durável que acondicione os seus equipamentos de maneira segura, leve e portátil, com espaço disponível para futuros up-grades – como afinador eletrônico, bateria programável, regulador de força, etc.
O preço...realmente é um problema. Além disso, o sistema só funcionará quando você puder, pelo menos, adquirir pré-ampli, amplificador e caixas/falantes. Você terá restrição de timbres, mas poderá esperar um pouco mais até comprar seu processador de efeitos. Uma coisa é real – quando pronto, você terá a disposição o “top” em setups para guitarra.
Aguarde a continuação! guitarras e pedais – aprenda a escolher certo!

Publicado no site “A Casa das Cifras” (http://www.casa.cifras.nom.br), em 05/11/1.999

Citação

2009-03-24T18:45:00.000-07:00

"Para mim, Jimi Hendrix foi o mais profundo guitarrista de Blues. Ele tocava, ao mesmo tempo, triste e alegremente."

Joe Satriani

Citação

2009-03-24T18:44:00.002-07:00

"A guitarra é um instrumento maravilhoso, e merece nosso respeito. Ao longo de sua carreira, você tocará nesse instrumento de formas que você nunca tocará em qualquer outra coisa ou pessoa na vida. Ela terá a marca de suas alegrias e tristezas. Ela verá e sentirá suas paixões, sua ira, seus amores e seu ódio. O guiará em suas vitórias e suas humilhações. E apesar da guitarra ser apenas metal e madeira, você acabará sentindo que ela possui alma própria, e é verdade. Mas é um reflexo da sua".

Steve Vai

Citação

2009-03-24T18:44:00.001-07:00

"A única educação musical que tive foi descobrir sobre o blues. Quer dizer, eu queria saber tudo."

Eric Clapton

Citação

2009-03-24T18:43:00.002-07:00

"Eu gosto de fazer coisas que são teoricamente impossíveis e fazê-las funcionar."

Frank Zappa

Citação

2009-03-24T18:43:00.001-07:00

"Drogas são horríveis. Elas acabam com seu coração, seu fígado e seu cérebro. E o pior de tudo é que deixam você igual aos seus pais."

Frank Zappa

Citação

2009-03-24T18:42:00.001-07:00

"Esporte é droga. Pratique guitarra."

Frank Zappa

Citação

2009-03-24T18:37:00.001-07:00

"Se eu pareço livre é porque estou sempre fugindo."

Jimi Hendrix